jueves, 12 de mayo de 2022

CLÁSICOS POPULARES VOL. 2

 

CLÁSICOS POPULARES VOL. 2

Intérpretes: Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE. Enrique García Asensio, director. Editorial: RTVE-Música (1997)

https://viajesatravesdelpendulo.blogspot.com.lamentedormida.com/2020/10/clásicos-populares-vol-1.html



1. SERGEI RAJMANINOV Comienzo del Mov. 3º de la Sinfonía nº 2, en Mi menor, Op.27


La Sinfonía n.º 2 en mi menor, Op. 27 fue compuesta entre 1906 y 1907 por Sergéi Rajmáninov. El estreno fue dirigido por el propio compositor en San Petersburgo el 8 de febrero de 1908. La partitura está dedicada a Sergéi Tanéyev, un compositor, profesor, teórico y autor ruso, alumno de Piotr Ilich Chaikovski.


Sergéi Rajmáninov en 1920

   Rajmáninov se consideraba principalmente y ante todo un compositor y creía que el programa de interpretaciones le quitaba tiempo para componer. Entonces, se trasladó junto con su mujer y su hija pequeña a Dresde, Alemania para dedicar más tiempo a la composición y también para huir del tumulto político que pondría a Rusia a las puertas de la Revolución. La familia permaneció en Dresde durante tres años, pasando los veranos en la finca de los suegros de Rajmáninov llamada Ivanovka. Fue durante este periodo cuando Rajmáninov compuso no solo la Segunda Sinfonía, sino también el poema sinfónico La isla de los muertos.

   Rajmáninov no estaba del todo convencido de ser un compositor brillante. En su estreno, la Sinfonía n.º 1 (dirigida por Aleksandr Glazunov en 1897) fue considerada un completo desastre; sus críticas fueron tan severas que sumieron al joven compositor en una depresión. Incluso después del éxito de su Segundo Concierto para piano,​ Rajmáninov todavía carecía de confianza para escribir nuevas obras. Estaba muy infeliz con el primer borrador de la Segunda Sinfonía, pero tras varios meses de revisiones, Rajmáninov acabó la obra y dirigió el estreno en 1908, el cual tuvo un gran éxito, lo que hizo ​que recuperara su autoestima como sinfonista.

   La sinfonía consta de cuatro movimientos: Largo - Allegro moderato (mi menor). Allegro molto (la menor). Adagio (la mayor). Allegro vivace (mi mayor).

   La sinfonía consiste en una secuencia dramática que se identifica con la tradición sinfónica rusa, establecida por los predecesores románticos rusos de Rajmáninov, pone énfasis en un motivo y "un incesante y hermoso flujo de melodía", por ejemplo la Sinfonía n.º 5 de Chaikovski y, posteriormente, la Sinfonía n.º 2 de Balákirev y la Sinfonía n.º 5 de Prokófiev.


2. FRANZ DANZI Mov 3º "Alla Polacca" del Concierto para Fagot y Orquesta. 


Bassoon Concerto No. 2 in F Major: III. Polacca: Allegretto


Franz Danzi, cerca del año 1800

Franz Danzi (1763-1826) fue un compositor, director y violonchelista alemán, hijo del también chelista Innocenz Danzi. Nació en Schwetzingen, trabajó en Mannheim, Múnich, Stuttgart y Karlsruhe, donde murió.

   Danzi vivió en una época muy agitada de la música europea. Su carrera abarca los últimos años del clasicismo y los primeros del romanticismo. Conoció de joven a Mozart, fue contemporáneo musical de Beethoven y fue mentor de Weber, cuya música respetó y promovió. Danzi estudió violonchelo con su padre y con Georg Joseph Vogler antes de unirse, siendo un adolescente, a la gran orquesta del príncipe elector Carlos Teodoro en 1778. Su primera composición se publicó en Mannheim en 1780. A pesar del traslado de la corte del príncipe elector a Múnich, Danzi se quedó durante un tiempo en Mannheim en una pequeña orquesta de teatro. Al final volvió a la orquesta del príncipe en Múnich, donde ocupó el puesto de violonchelo principal dejado por su padre en 1784. Volvió a Múnich en 1798 y pasó a ser maestro de capilla de la orquesta, pero en 1807, descontento por el trato recibido y por la decadencia musical, se trasladó a Stuttgart, un centro musical menos importante, y finalmente a Karlsruhe, donde falleció.

   La música de Danzi es especialmente colorida y bien elaborada. Las obras más conocidas hoy son sus 9 quintetos de viento Op. 56, 67 y 68. Compuso también óperas, sinfonías, música religiosa y música de cámara.


3. GUSTAV MAHLER Mov 3º "Ruhevoll" de la Sinfonía nº 4


Mahler - Symphony No. 4, 3rd movement


Gustav Mahler en 1909

   Gustav Mahler (Kaliště, Bohemia, antiguamente bajo administración del Imperio austríaco, actualmente República Checa, 7 de julio de 1860-Viena, 18 de mayo de 1911) fue un compositor y director de orquesta austro-bohemio cuyas obras se consideran, junto con las de Richard Strauss, las más importantes del posromanticismo.

En la primera década del siglo xx, Gustav Mahler fue uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento. Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878, fue sucesivamente director de varias orquestas cada vez más importantes en diversos teatros de ópera europeos, llegando en 1897 a la que entonces se consideraba la más notable: la dirección de la Ópera de la Corte de Viena (Hofoper). Durante sus diez años en la capital austriaca, Mahler —judío converso al catolicismo— sufrió la oposición y hostilidad de la prensa antisemita. Sin embargo, gracias a sus innovadoras producciones y a la insistencia en los más altos niveles de representación, se granjeó el reconocimiento como uno de los más grandes directores de ópera, particularmente como intérprete de las óperas de Richard Wagner y de Wolfgang Amadeus Mozart. Posteriormente, fue director de la Metropolitan Opera House y de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

   Como compositor, centró sus esfuerzos en la forma sinfónica y en el lied. La Segunda, Tercera, Cuarta y Octava sinfonías y Das Lied von der Erde (La canción de la Tierra) conjugaron en sus partituras ambos géneros. Él mismo advertía que componer una sinfonía era «construir un mundo con todos los medios posibles», por lo que sus obras en este campo se caracterizan por una amplísima heterogeneidad.  Sus obras sinfónicas adquirieron desmesuradas proporciones e incluían armonías disonantes que sobrepasan el cromatismo utilizado por Wagner en su Tristán e Isolda. La apariencia del desorden que resultaba, con el esfuerzo extra que demandaba reconocer alguna formalidad «clásica» en su estructura, generó la incomprensión de su música, atrayéndole una hostilidad casi general, pese al apoyo de una minoría entusiasta entre la que se contaban los miembros de la Segunda Escuela de Viena, que lo tenían por su más directo precursor.

   De entre su obra, cabe señalar sus nueve sinfonías terminadas (diez, si se incluyen los bosquejos de la Décima) y varios ciclos de canciones o lieder. Sus principales colecciones de canciones son: Lieder eines fahrenden Gesellen (Canciones de un compañero errante); el ciclo Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico del muchacho), basado en una recopilación de cantos populares alemanes; Kindertotenlieder (Canciones a los niños muertos) y las canciones Rückert-Lieder, basándose en ambos casos en los textos del poeta alemán Friedrich Rückert; también, la renovadora síntesis de sinfonía-ciclo de canciones Das Lied von der Erde, con letra de poemas traducidos del chino al alemán.

   La revalorización de Mahler fue lenta, al igual que la de Anton Bruckner, y se vio retrasada a causa de su gran originalidad y del auge del nazismo en Alemania y Austria, pues su condición de judío catalogó a su obra como «degenerada» y «moderna». Lo mismo sucedió con otros compositores, caídos en desgracia en el Tercer Reich. Solo al final de la Segunda Guerra Mundial y por la decidida labor de directores como Bruno Walter, Otto Klemperer y, más tarde, Bernard Haitink o Leonard Bernstein, ​su música empezó a interpretarse con más frecuencia en el repertorio de las grandes orquestas, encontrándose entre los compositores más destacados en la historia de la música.


4. WOLFGANG AMADEUS MOZART Mov 2º de la Sinfonía Concertante, en Mi Bemol Mayor, K-364


MOZART~ Sinfonía Concertante , K.364 - DANIEL BARENBOIM/Staatskapelle Berlin

   La obra está escrita para violín solista, viola solista, dos oboes, dos trompas y cuerdas, las cuales incluían dos secciones de violas. La parte solista de la viola está escrita en re mayor en lugar de en mi bemol mayor, y el instrumento afina medio tono ascendente (técnica de la scordatura) para lograr un sonido más brillante. Esta técnica es inusual cuando se interpreta en la viola moderna y se emplea mayormente en ejecuciones con instrumentos originales.

   Esta pieza musical consta de tres movimientos: Allegro maestoso, en compás de compasillo. Andante, en compás de 3/4, en do menor. Presto, en compás de 2/4.

Retrato póstumo, obra de Barbara Krafft, 1819

   Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozarta​ (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor, pianista, director de orquesta y profesor del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria), maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

   La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional. 

   En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.

   Según críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—.1​ Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».​


5. JOHANN SEBASTIAN BACH, Coro Final de la Cantata BWV11


Bach J.S. Cantata BWV 11 / Oratoria



Retrato de Johann Sebastian Bach en 1746, por Elias Gottlob Haussmann.

(Eisenach, actual Alemania, 31 de marzo de 1685 - Leipzig, 28 de julio de 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561.

   Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de los músicos de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días. A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.

   Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg, donde estudió a los grandes maestros del pasado, entre ellos Heinrich Schütz, al tiempo que se familiarizaba con las nuevas formas instrumentales francesas que podía escuchar en la corte. A partir de estos años, los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera como compositor e intérprete. Una carrera que puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).

   Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes.

   En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo. 

   Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, cargo éste que comportaba también la dirección de los actos musicales que se celebraban en la ciudad. A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad. En los últimos años de su existencia su producción musical descendió considerablemente debido a unas cataratas que lo dejaron prácticamente ciego.

   Casado en dos ocasiones, con su prima Maria Barbara Bach la primera y con Anna Magdalena Wilcken la segunda, Bach tuvo veinte hijos, entre los cuales descollaron como compositores Wilhelm Friedemann Bach, Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christoph Friedrich Bach y Johann Christian Bach.

   Pese a que tras la muerte del maestro su música, considerada en exceso intelectual, cayó en un relativo olvido, compositores de la talla de Mozart o Beethoven siempre reconocieron su valor. Recuperada por la generación romántica, desde entonces la obra de Johann Sebastian Bach ocupa un puesto de privilegio en el repertorio. La razón es sencilla: al magisterio que convierte sus composiciones en un modelo imperecedero de perfección técnica, se une una expresividad que las hace siempre actuales.

   Fue el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos: la familia Bach. Tuvo una gran fama como organista y clavecinista en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado. Además del órgano y del clavecín, tocaba el violín y la viola da gamba.

   Su fecunda obra es considerada la cima de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos nacionales de su época y del pasado. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto y fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos, tales como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn, Robert Schumann y Frédéric Chopin, entre muchos otros.

   Entre sus obras más conocidas se encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pequeña fuga en sol menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas (entre ellas las célebres Wachet auf, ruft uns die Stimme, BWV 140 y Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147), el Concierto italiano, BWV 971, la Obertura en estilo francés, BWV 831, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo, los Conciertos para teclado y las Suites para orquesta.


6. VASILY SERGEYEVICH KALINNlKOV Comienzo del Mov. 1° de la Sinfonía n° 1, en Sol menor.


Vasily Kalinnikov - Symphony no. 1

 1. Allegro moderato 
2. Andante commodamente
3. Scherzo: Allegro non troppo
4. Finale: Allegro moderato
Vasily Kalinnikov

 
Vasily Sergeyevich Kalinnikov (13 de enero de 1866 - 11 de enero de 1901) fue un compositor ruso. Su obra se compone de dos sinfonías, varias obras orquestales adicionales y numerosas canciones, todas ellas imbuidas de características de la canción popular . Sus sinfonías, en particular la Primera , se interpretaron con frecuencia a principios del siglo XX.

   Kalinnikov era hijo de un oficial de policía. Estudió en el seminario de Oryol, donde se convirtió en director del coro a los catorce años. Más tarde fue al Conservatorio de Moscú, pero no pudo pagar la matrícula. Con una beca, fue a la Escuela de la Sociedad Filarmónica de Moscú, donde recibió lecciones de fagot y composición de Alexander Ilyinsky. Tocó fagot, timbales y violín en orquestas de teatro y complementó sus ingresos trabajando como copista de música. 

   En 1892, Pyotr Ilyich Tchaikovsky recomendó a Kalinnikov para el puesto de director principal del Teatro Maly, y más tarde ese mismo año para el Teatro Italiano de Moscú. Sin embargo, debido al empeoramiento de su tuberculosis, Kalinnikov tuvo que renunciar a sus citas en el teatro y mudarse al clima más cálido del sur de Crimea. Vivió en Yalta por el resto de su vida, y fue allí donde escribió la parte principal de su música, incluidas sus dos sinfonías y la música incidental para el zar Boris de Alexey Tolstoy. En Yalta se unió a otros dos famosos pacientes tuberculosos, Maxim Gorky y Anton Chekov. Agotado, murió de tuberculosis el 11 de enero de 1901, apenas dos días antes de cumplir 35 años. Le sobrevivieron su viuda y su hermano, Viktor Kalinnikov , quien compuso música coral y enseñó en la Escuela de la Sociedad Filarmónica de Moscú. 

   La reputación de Vasily Kalinnikov se estableció con su Primera Sinfonía, escrita entre 1894 y 1895, que tuvo un gran éxito cuando Vinogradsky la dirigió en un concierto de la Sociedad Musical Rusa en Kiev el 20 de febrero de 1897. Rápidamente siguieron otras actuaciones en Moscú , Viena , Berlín y París. No se publicó hasta después de su muerte.


7. SIR EDWARD ELGAR Sospiri, Adagio para Orquesta de Cuerda, con Arpa y Órgano, Op. 70.


Edward Elgar - Sospiri for string orchestra and harp, Op. 70

 

(02/06/1857, Worcester - 23/02/1934, Worcester. Fue enterrado en el cementerio de la iglesia de St. Wulstan)

   Compositor británico de formación autodidacta, aunque su padre colaborara con él en lo referente al órgano, instrumento que junto al violín llegó a dominar. De 1873 a 1889 es violinista en la Orquesta del Glee Club de Worcester (1873), de la que también llegaría a ser director y pianista (1879), habiendo recibido algunas lecciones de A. Pollitzer en 1877. En 1889 contrajo matrimonio y renunció a su cargo para dedicarse a componer. Su obertura Froissart se estrenó en 1890, dándole popularidad, aunque su talento no se reconoció hasta 1899, en que el director húngaro Hans Richter interpretó Variations on an Original Theme. La composición, conocida como Variaciones enigma, es una de sus obras más conocidas. El sueño de Geroncio (1900), sobre un poema de John Henry Newman, está considerada su obra maestra.

   Sus composiciones son un ejemplo del último periodo romántico y exponen las influencias de Wagner y Brahms. Compuso las cantatas The Black Knight (1893) y Caractacus (1898), los oratorios The Apostles (1903) y The Kingdom (1906), un concierto para violín en si menor, opus 61 (1910), un concierto para violonchelo en mi menor opus 85 (1919) y 5 marchas populares tituladas Pompa y circunstancia (1901-1907, 1930). Entre su producción orquestal destaca la obertura Cockaigne (1902), el estudio sinfónico Falstaff (1913) y dos sinfonías, en la bemol mayor (1908) y en mi bemol mayor (1911).


8. ARAM KHACHATURIAN Vals de Masquerade.



KHACHATURIAN - Masquerade Suite - UNC Symphony Orchestra - November 2015

Aram Jachaturián

(Aram Ilich o Ilyich Khachaturian o Jachaturián; Tiflis, 1903 - Moscú, 1978)

 Compositor y director de orquesta. En 1922 entró en la Escuela Gniessin de Moscú, y entre 1929 y 1934 completó su formación musical en el Conservatorio de Moscú, en las clases de Mikhail Gniessin. Fue asimismo discípulo de Reinhold Glière en instrumentación y de Nikolai Miaskovski, el representante del arte oficial del régimen, en composición. Todos estos músicos influyeron en él, así como Prokofiev, una vez vuelto éste a la antigua URSS.

   Sus primeras obras son de esa época en el Conservatorio: la Tocata y el Trío para violín, piano y clarinete (1932) y una Suite de danzas (1933). Ya en estas obras exhibe su principal característica, la inspiración en la tradición musical armenia. La Primera Sinfonía, escrita en 1934 con motivo del decimoquinto aniversario de la República Soviética de Armenia, sigue esa tendencia de integrar la cultura de su pueblo dentro de la rusa.

   En 1936 compuso el Concierto para piano, obra de ritmos complejos y expresivos al mismo tiempo, con la cual se dio a conocer al público de su país. En el Poema a Stalin (1938), una de sus composiciones más conocidas, concilia de nuevo los folclores caucásicos con un desarrollo sinfónico elaborado, en el que se aprecia la influencia de Tchaikovsky. En 1940 compuso Concierto para violín, obra de gran lirismo dedicada al violinista David Oistrakh.

   Aram Jachaturián consiguió el reconocimiento internacional con su obra más emblemática, Gayaneh (1943). Se trata de un ballet que representa la historia épica de una mujer patriota cuyo marido comete traición al pasarse al enemigo; compuesto por diferentes danzas, destaca especialmente entre ellas la célebre Danza del sable. El estilo épico se acentúa en su Tercera sinfonía (1947), obra que conmemora el trigésimo aniversario de la Revolución Rusa.

   Al igual que otros ilustres compositores rusos, Jachaturián no escapó a las críticas que le acusaban de tendencias antirrevolucionarias, así como de distorsiones formalistas contrarias a la ortodoxia cultural del régimen. A principios de la década de 1950 viajó a Italia para formar parte de una delegación soviética y comenzó a escribir el ballet Spartacus. En estos años empezó a dedicarse a la dirección de orquestas y a la enseñanza en el Instituto Giessin y en el Conservatorio de Moscú.

   Tras la muerte de Stalin (1953), Jachaturián se unió a las voces que pedían mayor libertad creadora, aunque se mostró contrario al serialismo y otras experimentaciones de la música occidental. En 1954 fue nombrado "artista del pueblo de la URSS" y en 1959, año en que ingresó como diputado en el Soviet Supremo, recibió el premio Lenin por Spartacus. También compuso bandas sonoras para el cine, entre ellas la del documental sobre Lenin Vladimir Ilich Lenin (1948) y la del filme de Vladimir Petrov La batalla de Stalingrado (1949).


9. FRANZ SCHUBERT Impromptu D. 899, N° 3. Rudolf Buchbinder (piano).



Schubert - Impromptu No. 3, Op. 90 (Kissin)

Franz Schubert (31/01/1797, Lichtenthal, cerca de Viena - 19/11/1828, Viena)

   Franz Schubert falleció a causa de una gonorrea complicada con una fiebre tifoidea, en casa de su hermano, tras componer el Lied "El pastor en la roca".

   Franz Schubert es considerado uno de los mejores compositores del siglo XIX. Fue el duodécimo de catorce hermanos, Franz Schubert recibe sus primeras clases a los ocho años. Hijo del párroco maestro de coro Franz Theodro Florian y de Maria Elisabet Katherina. Su padre, que tocaba el violonchelo, le inició en la música.

"Nadie siente el dolor de otro, nadie comprende la alegría de otro"

"Feliz es el hombre que encuentra un verdadero amigo, y mucho más feliz es el que encuentra a ese amigo en su esposa"

Franz Schubert


A los diez años escribió sus primeros temas. Varios documentos lo describen como corpulento, miope, cara redonda y cabellera exuberante.

   En 1808 fue becario en la Capilla de la Corte, alumno de composición de Antonio Salieri en 1813. En este mismo año ingresó en la Academia de Profesores de enseñanza básica de Annagasse para convertirse en 1814 en profesor de escuela. Destacó con algunas de sus canciones, Hagars Klage (1811) y Der Vatermöder (1811). Influenciado por la música de Beethoven, quien le apasionaba.

   En 1813 comenzó a dar clases en la escuela de su padre. Un año después tuvo lugar la creación de su primera ópera, Des Teufels Lustschloss, su primera misa (en fa mayor), y diecisiete canciones. En 1815 Franz Schubert finalizó su segunda y tercera sinfonías, compuso dos misas, en sol y si bemol mayor, otras obras religiosas, música de cámara y ciento cuarenta y seis canciones, El rey de los elfos entre ellas. Un año después compuso la Sinfonía trágica (nº4), la Sinfonía nº5 en si bemol mayor, más música religiosa, una ópera y unas cien nuevas canciones. Se enamoró de María Teresa Grob, una soprano que actuaba en su Misa en Fa. Pese al éxito de sus composiciones, el fracaso en este amor marcarían de forma importante sus composiciones posteriores, que marcarán el nacimiento del Lied (canción para voz solista y acompañamiento). Autor de seiscientas composiciones en forma de lieder.

   En 1820 Franz Schubert escribió la música para el melodrama El arpa encantada, y Los hermanos gemelos (1820). Además, creó música religiosa como los Veintitrés salmos y el oratorio incompleto Lazarus. En 1821 compuso la Sinfonía inacabada (Sinfonía inconclusa), y la Misa en la bemol. El ciclo de canciones La bella molinera lo compuso en 1823, y el Octeto y las Canciones de Sir Walter Scott en 1824. Los dos siguientes años los dedicó a componer La grande (1825) y el ciclo de canciones El viaje de invierno (1827). Pertenecen a 1828 la Misa en mi bemol mayor, el Quinteto para cuerda en do mayor, las tres últimas sonatas y el último grupo de canciones El canto del cisne, editadas tras su muerte.

   Nunca prescindió de las estructuras clásicas, y por ello no se le considera como un precursor de lo Romántico, sino más bien como el último en seguir la senda de Haydn, Mozart y Beethoven. El 29 de marzo de 1827, Schubert fue uno de los treinta compositores que acompañaron el féretro de Beethoven.

   Durante los menos de veinte años que duró su carrera, Franz Schubert produjo óperas; veintiuna sonatas, siete misas y nueve sinfonías; 600 canciones; oberturas; cuartetos de cuerda, quintetos y un octeto; 20 sonatas para piano; y unas 50 obras corales.


10. LUDWIG VAN BEETHOVEN Cuarteto "Mir is so wunderbar" de Fidelio. Orquesta Filarmónica de Berlín.


Beethoven - Fidelio - Opus 72 - Ópera Completa subtitulada en Español


Ludwig van Beethoven en 1820

Ludwig van Beethovena (Bonn, Arzobispado de Colonia; 16 de diciembre de 1770​-Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta, pianista y profesor de piano alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo. Es considerado uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución posterior de este arte.

   Siendo el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del Romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

   Su producción incluye los géneros pianístico (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros), concertante (conciertos para piano, para violín y triple), sacra (dos misas, un oratorio), lieder, música incidental (la ópera Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales), y orquestal, en la que ocupan lugar preponderante las Nueve sinfonías.


11. RICHARD STRAUSS Letzte Lieder nº 3, Op-Posth.á"Beim Schlafengehen".



Richard Strauss — Vier letzte Lieder — Herbert von Karajan, Gundula


Richard Strauss (Munich, 1864 - Garmisch-Partenkirchen, 1949) Compositor alemán. Ocupa un lugar de gran relieve en la historia musical de nuestro tiempo, en la que representa las postreras ramificaciones del romanticismo. Hijo de un solista de la orquesta de la ópera de Munich, empezó a aprender música a los cuatro años de edad. A los siete años escribía sus primeras composiciones. En 1875 tomó sus primeras lecciones de composición de W. Meyer. Desde 1874 a 1882 cursó la segunda enseñanza y luego se matriculó en la Universidad.

   Hans von Bülow le llamó en 1885 para colaborar con él en la dirección del teatro de corte de Meiningen. Allí trabó amistad con A. Ritter, que ejerció una influencia decisiva en el joven músico y le convirtió al arte de Liszt y de Wagner. En 1886, después de un viaje a Italia, Strauss fue nombrado director adjunto de la ópera de Munich. Durante aquellos años compuso numerosos lieder y los poemas sinfónicos Macbeth y Don Juan. De 1889 a 1894 fue director de orquesta en el teatro de Weimar; de esta época datan el poema sinfónico Muerte y transfiguración y su primera obra teatral: Guntram.

   Después de viajar por Grecia, Egipto y Sicilia (1892-93), Richard Strauss fue sucesivamente director de la Ópera de Munich y de la de Berlín (1898-1919). Sus notables poemas sinfónicos ya le habían dado celebridad cuando afirmó con Salomé su concepción "sinfónica" de la obra teatral, que ilustró con producciones posteriores. Strauss, que como director de orquesta triunfó en las grandes capitales del mundo entero, fue codirector de la ópera de Viena desde 1919 a 1924. Pasó sus últimos años en Garmisch, donde murió.

 Sus primeros gustos musicales estuvieron orientados por su padre, enemigo implacable del wagnerismo, corriente a la que oponía el formalismo de Mozart, Joseph Haydn y Felix Mendelssohn. Influido por su progenitor, el joven Strauss, a sus dieciséis años, llegó a decir: "Dentro de diez años nadie sabrá quién es Wagner". Esta circunstancia, pura anécdota, no deja de ser curiosa si tenemos en cuenta el posterior devenir de los acontecimientos, con la evolución de la obra straussiana hacia el wagnerismo. De la misma, y aunque no son nada desdeñables sus obras de cámara y corales, despuntan por encima de todo lo demás los poemas sinfónicos y, por supuesto, las óperas.

   En los primeros, Strauss combinó una elevada inspiración poética con unas hábiles resoluciones técnicas, sobre todo en el terreno orquestal. El primero de sus grandes Tondichtungen ("Poemas sonoros") y su primera obra maestra verdadera, después de la fantasía sinfónica Aus Italien (1886), fue Don Juan (1888-1889), en el que se advierte la influencia de Richard Wagner y Franz Liszt. Incomprendido por la crítica fue el poema sinfónico que siguió, Muerte y transfiguración (1888-1889), calificado el día de su estreno como una "horrible batalla de disonancias", a pesar de su certera paleta orquestal y su compacta construcción.

   Las divertidas travesuras de Till Eulenspiegel (1894-1895) fue su siguiente obra programática, basada en las peripecias de un pícaro personaje de la Alemania del siglo XIV. Ésta daría paso, un año más tarde, a su inmortal y cinematográficamente célebre Así habló Zaratustra (1895-1896), libremente inspirado en la obra del mismo título del filósofo Friedrich Nietzsche. El cineasta Stanley Kubrick incluyó su conocidísimo inicio en la banda sonora de su película 2001: una odisea en el espacio.

   Sólo dos poemas sinfónicos más iba a componer Strauss: Don Quijote (1896-1897), para violoncelo y orquesta, según el esquema de un tema y variaciones, y Una vida de héroe (1897-1898), de índole autobiográfica, asombroso alarde de toda su ciencia orquestal. No podemos olvidar dos sinfonías de clara inspiración programática emparentadas con el poema sinfónico, como son la Sinfonía doméstica (1902-1903) y la Sinfonía alpina (1911-1915).

   Inaugurado el siglo XX, Strauss iba a centrar sus mayores esfuerzos en la ópera, convirtiéndose en uno de los compositores que mayores aportaciones ha hecho al género lírico: entre 1894 y 1942 compuso quince óperas, que evolucionan desde el wagnerismo militante de las dos primeras, Guntram (1892-1893) y Feuersnot (1900-1901), hasta un cierto agotamiento en las últimas, pasando por una etapa intermedia repleta de verdaderas obras maestras.

   Sería en 1905 cuando el compositor alemán daría su primera obra cumbre dentro del género lírico: Salomé. Tras algunos problemas para llevar a cabo el estreno, especialmente por parte de la censura y de los cantantes, éste se produjo y Salomé pasó a ser uno de los hitos fundamentales del repertorio operístico. Sin dejar en ningún momento que el nivel decayera, Strauss compuso Elektra (1906-1908), obra con que iniciaría la fructífera colaboración con el libretista Hugo von Hofmannsthal. Fruto de este binomio fue también El caballero de la rosa, estrenada en 1911 y radicalmente opuesta a su predecesora, puesto que a la agresividad de la primera se opone la frescura de la segunda, inspirada en el modelo mozartiano. Dejando a un lado la vía abierta por Salomé y Elektra, Richard Strauss compuso en 1912 la primera versión de la sutil Ariadna auf Naxos. La ruptura con su estilo "elektrificante" (como se calificaba la música de Elektra en caricaturas de la época) se ratifica con su ópera de atmósfera maravillosa La mujer sin sombra (1914-1918). 

   Aun sin ser desdeñables, son mucho menos relevantes las óperas compuestas por Strauss a partir de 1920: Intermezzo (1918-1923), Elena de Egipto (1923-1927), La mujer callada (1933-1934), Día de paz (1935-1936), Dafne (1936-1937) o El amor de Dánae (1938-1940) son los títulos menores de la producción lírica straussiana de los últimos años. Sólo Arabella (1929-1932) y Capriccio (1940-1941) son escenificadas esporádicamente en la actualidad. En la primera de ellas, la última con libreto de Hofmannsthal, Strauss regresa a la Viena de El caballero de la rosa; la segunda fue la postrera de las que compuso, ya octogenario. Se trata de una hermosa obra en la que se plantea el dilema, nunca resuelto, entre la supremacía de la palabra o la de la música dentro de la ópera.



Clásicos populares de la música clásica - Mozart, Shubert, Bach...


   Clásicos populares fue un programa radiofónico dedicado a la divulgación de la música clásica. El programa emitía música clásica de forma desenfadada y amena, intercalando concursos y juegos con los oyentes, así como secciones de divulgación sobre los autores.​ Se emitía por la radio pública española Radio 1. Comenzó sus emisiones en 1976 y cesó sus emisiones 32 años después, el 31 de julio de 2008. Fue presentado por diversos locutores, como Carlos Tena, Beatriz Pécker y José Manuel Rodríguez (Rodri), hasta que a finales de la década de los 70 se puso al frente del programa Fernando Argenta, acompañado por Araceli González Campa desde 1984. Al final era dirigido y presentado por Mercedes Puente.

   El programa editó numerosos discos de recopilación de música clásica, siendo los más vendidos "Clásicos divertidos", "Clásicos infantiles" y "Clásicos populares 25 y 30 años". Fue galardonado con el Premio Ondas en 1980 y 1991, y con el Premio APEI-PRTV en 2006. Un programa hijo de este es el de TVE, "El conciertazo", presentado por Fernando Argenta los sábados, en La 2, a las 12 h, con el fin de acercar el mundo de la música clásica a los niños.

   Tanto el programa radiofónico como los discos editados que fui adquiriendo con el transcurso de mis años de juventud, influyeron de forma determinante en mi amor por la música clásica, aún conservo algunos en vinilo y otros en formato CD. Reúnen fragmentos de obras maestras de distintos autores clásicos, seleccionadas magníficamente por los responsables del programa. He expuesto en esta entrada el segundo volumen, contiene obras de reconocidos grandes genios de la música clásica (Sergei Rajmaninov, Gustav Mahler, W.A. Mozart, J.S. Bach, Franz Shubert, Ludwig van Beethoven y Richard Strauss)  y fragmentos de piezas de autores menos conocidos por el gran público, pero que son igualmente bellas (Aram Khachaturian, Franz Danzi, Vasily Kalinnikov o Edward Elgar)

Petrus Rypff


 1.  00:00:00 Comienzo del mov 3º de la sinfonia nº 2 en Mi menor Op 27 - Sergei Rachmaninov

2. 07:19.20 Mov 3º Alla Polaca del Concierto para fagot y orquesta - Franz Danzi

3. 13:52.18 Mov 3º Ruhevoll de la Sinfonia nº 4 - Gustav Mahler

4. 18:38.14 Mov 2º de la Sinfonia Concertante en Mi b Mayor para violin, viola y orques - Mozart

5. 29:36.09 Nº 11 Coro Final de la Cantata BWV 11 - Bach

6. 33:54.20 Comienzo del Mov 1º de la Sinfonia nº 1 en Sol menor - Kalinnikov

7. 40:17.16 Sospiri, Adagio para Orquesta de cuerda con arpa y organo Op 70 - Edward Elgar

8. 44:56.01 Improntus Op 90 nº 3 en Sol bemol Mayor -  Shubert

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