martes, 9 de marzo de 2021

PABLO R. PICASSO - ÉPOCAS AZUL Y ROSA - SEGUNDA PARTE

 


PABLO R. PICASSO - ÉPOCAS AZUL Y ROSA - SEGUNDA PARTE



El lunes 26 de abril de 1937, hacia las 3 y 30 de la tarde, los aviones de la Legión Cóndor, comandada por el mariscal alemán Wolfram von Richthofen, bombardearon durante tres horas a la población vasca de Guernica. Murieron aproximadamente 126 personas. Ese fue uno de los hechos más cruentos de la guerra civil española (1936-1939), que estalló cuando el Ejército, liderado por el generalísimo Francisco Franco, se levantó contra la República con el apoyo de Adolf Hitler y Benito Mussolini. La masacre de Guernica, cometida además como una especie de ensayo contra un pueblo que carecía de importancia estratégica, inspiró al artista Pablo Picasso una obra que, como ninguna, simboliza el horror y la barbarie de la guerra en el siglo XX.

Picasso comenzó el enorme cuadro, bautizado como la villa arrasada, dos días después (miércoles 28 de abril) cuando vio en el diario francés L’Humanité las imágenes sobrecogedoras de la plaza.

Así también encontró el tema para una obra que el gobierno de la República Española le había encargado, a finales de 1936, para presentar en la Exposición Internacional de 1937 en París. El propósito era generar solidaridad por la causa republicana en plena guerra civil. “Si tenemos a Picasso en cuerpo y alma, el impacto será mayor que una batalla ganada en el frente a los fascistas”, habría dicho Juan Negrín, el último presidente de la República. Y así nació una de las tantas leyendas que se tejen alrededor del cuadro: la duda de si el artista cobró unos 7.000 dólares de la época por realizarlo o si, como dicen algunas versiones, solo pidió ayuda económica para comprar materiales y adecuar un espacio especial como taller.

Picasso hizo su primer dibujo preparatorio el 1 de mayo y durante mes y medio le dio forma a una monumental tela (de 3,49 por 7,76 metros), esencial para la historia de España y del mundo, no sólo por su valor artístico, sino también por su importancia histórica y política.

Ochenta y cuatro años después la obra sigue vigente, pues aún hay guerras y masacres alrededor del mundo. De hecho, en una manifestación reciente por la situación de Alepo, algunas personas utilizaron carteles con el cuadro para protestar por la indiferencia del planeta ante el sufrimiento de los civiles en la guerra.

Para los críticos, el cuadro tiene considerables bondades artísticas del mural, como “su calidad pictórica, su composición, su estructura piramidal, la cantidad de diagonales que tiene, su blanco y negro”, según dijo Rosario Peiró, comisaria de la exposición Piedad y terror en Picasso, el camino al Guernica.

Y es quizás el cuadro que tiene más interpretaciones y lecturas. Desde su creación han surgido varias teorías sobre las influencias que pudo haber tenido el artista a la hora de darle forma. Una de ellas señala que lo pudo haber marcado Adiós a las armas (1932), película inspirada en el libro de su gran amigo Ernest Hemingway, dirigida por Frank Borzage. Según el fotógrafo español José Luis Alcaine hay una secuencia en la cinta muy similar al cuadro.  Otros apuntan a que la pintura Los horrores de la guerra, de Rubens, también habría servido de referencia al artista español.

El crítico de arte Alain Moreau fue más allá y dijo: “Es indudable que Picasso piensa en la tragedia de Málaga (su ciudad natal) cuando pinta el ‘Guernica”. Él hace referencia a otra gran masacre de la guerra civil, conocida como La Desbandá (8 de febrero de 1937), en la que los soldados franquistas atacaron a un grupo de civiles que migraban entre Málaga y Almería. Se calcula que murieron unas 3.000 personas. Moreau reveló que Picasso ya tenía un boceto de su mural el 5 de marzo, es decir, casi mes y medio antes del bombardeo a Guernica. El debate quedó abierto. Él vivía en un momento de guerra y de violencia y eso fue lo que le inspiró. Da lo mismo de donde viniera”, dice Peiró, que además evoca que para Picasso el cuadro significa lo que cada persona quiera ver.


Pablo Picasso entrevista con Juan Carlos Campuzano



Biografía de Pablo Picasso:

Nombre: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso.

Nace: 25 de octubre de 1881, Málaga, España.
Muere: 8 de abril de 1973 (91 años) Mougins, Francia.
Escuela: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Movimientos en los que participó o tomó parte: Cubismo, Surrealismo.

Periodos:

El trabajo de Picasso comprende los siguientes periodos: 

*Período azul: En este período, Picasso realizó obras en las que utilizaba los tonos azules, casi todas ellas denotan mucha tristeza, en ellas muestran figuras alargadas de mendigos y personajes de la calle.

*Período rosa: Picasso entra en un período más alegre y pinta escenas de payasos y circos, con un colorido más brillante.

*Período cubista: Busca una pintura pura y comienza a observar los objetos de su taller y entra en una fase más madura e intelectual, así comienza a pintar  recreando la geométricas básica.

*Período surrealista: En esta época usa las formas distorsionadas del mundo de los sueños y lo imaginario, representando lo monstruoso y lo  mitológico; sus esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de metal.

*Período expresionista: Está enmarcado en el ámbito de la guerra civil en España, cuando Picasso pintó uno de sus cuadros más famosos, Guernica en el que muestra su repudio por la guerra y el terror que sufrió la población civil durante el bombardeo aéreo de Alemania contra la población de Guernica ubicada al norte de España.


           


Época azul (1901-1904)

   Carlos Casagemas, fue ese "mejor amigo" de Picasso cuya trágica muerte supuso el inicio del depresivo periodo azul del artista. El mismo Picasso lo admitió años después: "fue pensar en la muerte de Casagemas lo que me hizo empezar a pintar en azul". La tristeza por la muerte de su amigo, pero sobre todo un sentimiento de cierta culpabilidad, le originaron esta etapa depresiva de su vida. Se conoce como época o período azul de Picasso y transcurre entre 1901 y 1904.

   El nombre proviene del color azul que predomina en estas pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas, que dejó a Picasso lleno de dolor, tristeza y cierta culpabilidad. Picasso manifestó la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul y el alargamiento de las figuras, al estilo de El Greco.

   Es una serie de obras en las que predomina: el color azul, un dibujo preciso de figuras humanas distorsionadas y alargadas y unos temas llenos de melancolía, dolor, pobreza y soledad. Al iniciar el período azul abordó temas relacionados con seres marginales, bebedores compulsivos, mendigos, artistas de circo, vagabundos, prostitutas.

   Durante esta época azul, Picasso dijo, que no es suficiente conocer las obras de un artista, que también hay que conocer cuándo las hizo, por qué, cómo y en qué circunstancias…Las circunstancias de la época azul comenzaron con el suicidio de Carlos Casagemas, uno de los amigos más queridos de Picasso.

1901. Al poco tiempo Picasso regresó a París. Terminó su relación con Odette y se involucró con Germaine. A finales de año terminó también su relación con Germaine e inició su famoso periodo azul. Intentó, sin mucho éxito, triunfar en la pintura. Pobre, extranjero, solo, rememorando al amigo muerto, se sumió en la tristeza, comenzó a ver el lado duro de la vida, la miseria, la soledad, la desesperación, y fueron ésos los sentimientos que reflejó en sus cuadros.

   A raíz del suicidio de su amigo Casagemas, Picasso empezó a plasmar en sus pinturas el universo triste de los marginados por la sociedad, con tonos azules. Personajes habituales en calles y tabernas de las grandes ciudades, como mendigos, ciegos, y mujeres solitarias sumidas en la miseria. En esta época Picasso pintó obras célebres y enigmáticas, que se caracterizan por una opresiva atmósfera de desesperanza, y los omnipresentes tonos azules que confieren a sus cuadros un carácter irreal, más allá del tiempo y el espacio.

    Es muy difícil descifrar el significado de las pinturas azules y Picasso siempre evitó dar explicaciones al respecto. Cuando expuso por primera vez los trabajos de esta época, los críticos elogiaron el expresivo simbolismo de los cuadros, pero censuraron su profunda tristeza. Entre las obras más representativas de esta época se encuentran El gran autorretrato azulLa vidaLas dos hermanasPobres a orillas del marEl viejo guitarrista ciegoEl asceta y La Celestina.

   Su amigo Jaime Sabartés decía que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor. La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos están descritos ampliamente en los cuadros de ese momento.  

 Fue un trabajador infatigable. Regresó a Barcelona tras viajar a Málaga. En Barcelona, presentó la Mujer en azul en la Exposición General de Bellas Artes. Regresó a París y se instaló en el que fuera estudio de Casagemas. Empezó a pintar escenas de la vida nocturna parisiense. Sin dinero ni trabajo, el joven artista, que contaba por entonces unos dieciocho años, pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos.

   Expuso por primera vez en París. Volvió a Barcelona, introdujo en su obra los temas de El Arlequín y La maternidad y pintó la mayoría de las obras de su época azul. Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquisArlequín y su compañera,  Arlequín apoyado y La muerte de Casagemas. En invierno pintó otra serie de retratos en azul: el Retrato de Jaime Sabartés, el Retrato de Mateo Fernández de Soto y el Autorretrato azul.

1902. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, con quien visitó los burdeles de Barcelona, como lo muestra en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo, un dibujo a tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujerLa macarra y un Retrato de Germaine, que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en 2006. Viajó a París y participó en una exposición colectiva en la galería de Berthe Weill.

1903. Volvió a Barcelona. Comenzó el cuadro La vida. Llegó a la conclusión de que sólo estableciéndose permanentemente en París, su reputación superaría las fronteras de España. Se trasladó a esta ciudad y finalizó La Celestina y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés. 

1904. Regresó a París e instaló un estudio en un vetusto edificio de Montmartre al que llamaron "Bateau-Lavoir" por su semejanza con las barcas que usaban como lavaderos en el Sena. En este estudio estuvo desde mayo de 1904 hasta septiembre de 1909, y en 1911 y 1912. Frecuentó el cabaret Le Lapin Agile de Montmartre y el Circo Medrano, donde encontró distracción y temas para sus obras. Ayudado por Ricard Canals hizo su segundo grabado, La comida frugal, que hoy se considera una obra maestra. Conoció a Madeleine, una modelo importante en su transición a la "época rosa" y estableció con ella una relación amorosa que duró intermitentemente hasta 1912.

Descripción de algunas pinturas


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La muerte de Casagemas

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El entierro de Casagemas

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Autorretrato

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Retrato de Germaine

La muerte de Casagemas. 1901, museo de París

   Este cuadro triste, desolador y trágico, que denota un profundo pesar, fue realizado por Picasso con motivo de la muerte en plena juventud de su gran amigo, colega y compañero Carlos Casagemas. Resultado de tal estado de ánimo fueron varios dibujos y cuadros, uno de ellos  es el presente,   terriblemente descriptivo y luctuoso a pesar de la calculada iluminación artificial. Con toques de amarillo, rojo, azul  y verde simula la luz de velas y lámparas. Casagemas yace en su ataúd, con la marca del disparo en la sien derecha, iluminado por una enorme llama en la que algunos han querido ver una representación de los genitales femeninos. Tanto en el colorido como en las pinceladas, Picasso imita a Van Gogh, y lo hace a propósito. Es un homenaje póstumo a dos pintores que, deprimidos, se quitaron la vida de un disparo. El entierro de Casagemas o Evocación. 1901, Centre Pompidou, París.

   Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo pintó un cuadro alegórico que muestra su paso al período azul. Es una obra un tanto irreverente titulada Evocación. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, de El Greco. Al igual que el Greco, dividió el lienzo en dos mitades: el entierro abajo y el mundo celestial arriba. En la parte inferior, nueve plañideras rodean el cuerpo sin vida de Casagemas en un cementerio. En la mitad superior, Casagemas asciende triunfal al cielo montado en un caballo blanco, con Germaine colgada literalmente del cuello. Pero el cielo de Picasso no es un cielo místico como el del Greco, lleno de santos aburridos. El cielo de Picasso es algo más divertido y natural, como atestiguan las tres prostitutas de la izquierda, las dos mujeres desnudas de la derecha y la madre con dos niños del centro.


Autorretrato, 1901 museo Picasso París

   La melancolía de la época azul de Picasso, se plasmó en el "Gran Autorretrato azul", que representa al joven de 20 años pálido y demacrado durante el invierno de 1901, y constituye el inicio de una fase de orientación artística y personal. Picasso llegó a Paris sin haber cumplido todavía los 20 años. Sus comienzos en la Meca del Arte del momento no fueron sencillos. Solo y sin demasiado dinero, el joven genio vagabundeaba por la capital francesa inmerso en el ambiente bohemio de la noche parisina, entre pobres, prostitutas y alcohólicos.

   Picasso comenzó a representar el mundo en el que se veía inmerso con un peculiar estilo de fantasmales figuras alargadas y pálidas, situadas en un melancólico universo de tonos azules. Fue Es el comienzo de lo que vendría a llamarse el "Periodo Azul" del artista. Este autorretrato de ese mismo año no fue el primero que Picasso realizó de sí mismo, pero sí es una de las primeras obras del Periodo Azul. La obra fue pintada poco después del suicidio de su amigo Casagemas, cuando aún Picasso era un desconocido abriéndose paso en el inmenso Paris. La calma y serenidad que transfiere la figura del retratado, la austeridad de la obra, junto a su aspecto descuidado y su mostacho de joven bohemio, nos transfiere la imagen de un artista valiente y decidido, dispuesto a encontrar su propio camino pese a todas las dificultades que la vida pueda poner en él.


Retrato de Germaine, 1901 colección particular

   Durante una estancia en Barcelona en 1902, pintó de memoria un extraño retrato de Germaine, que en esa época ya estaba emparejada con el pintor catalán Ramón Pichot. El elemento que más destaca es el rojo intenso de la boca entreabierta de Germaine, a quien viste con la indumentaria que solían llevar las prostitutas de la prisión de Saint-Lazare. Picasso realizó algunos retratos femeninos de las reclusas de la prisión parisina de Saint-Lazare, mayoritariamente prostitutas que sufrían enfermedades venéreas.


Escenas melancólicas

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La vida


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Radiografía de La vida


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Boceto a lápiz de Últimos momentos


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La planchadora


La vida. Barcelona, 1903, Cleveland Museum of Fine Art

   Es uno de los mayores y más complejos cuadros que pintó en su época azul, considerado el trabajo más importante de estos años. Ofrece un simbolismo inusualmente oscuro y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. La figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo la de su amigo Carlos Casagemas. Resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época.  Vuelve a tener como protagonista a Casagemas. Es un cuadro difícil de descifrar. La pareja de la izquierda son Germaine y Casagemas, ella desnuda y él con un taparrabos en alusión a su impotencia o para presentarle como mártir. En los cuadros del fondo, aparecen figuras femeninas desamparadas, en posturas similares a la que adopta Germaine. A la derecha, volvemos a encontrarnos con el tema de la maternidad.


Radiografía de La vida

  Radiográficamente se ha establecido que el cuadro de La vida fue pintado sobre el cuadro Últimos momentos, que había presentado en la Exposición Universal cuando viajó a París por primera vez con Casagemas, y que representaba a un moribundo en su lecho de muerte. Además el que estaba con Germaine no era Casagemas, sino Picasso. Por algún extraño motivo, en el último minuto decidió cambiar su rostro por el de su amigo. De esta forma tan magistral, el alma de los dos amigos, abrazados a la amante que compartieron, quedó unida para siempre en una maravillosa alegoría, que permitió a Picasso por fin dormir tranquilo.


Últimos momentos (1899-1900), Museo Picasso, Barcelona.

   Boceto a lápiz, del cual la mesilla de noche con el cajón abierto se ve muy bien en la radiografía.

La planchadora 1901, Metropolitan Museum, Nueva York

Es probable que Germaine posase como modelo para el cuadro La planchadora, que Picasso dedicó en la esquina superior derecha a su amigo Jaume Sabartès. 


Retratos masculinos

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Retratos Femeninos


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La bebedora de absenta, 1901, Museo del Ermitage ( San Petesburgo), óleo sobre lienzo.

La emotividad conmovedora de esta pintura se debe a que todo parece estar constituido por bloques, tanto la figura de la mujer como la botella y la copa, por las formas dibujadas más que por los colores, aplicados como si fueran capas . Las alargadas manos parecidas a garras, que enlazan el anguloso rostro y la redondez del busto, se acentúan con el entrelazamiento de las formas , que denotan ensimismamiento y abandono. 


Marginados

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El viejo guitarrista pobre y ciego. 1903, Instituto del arte de Chicago. 

   El cuadro es de óleo y tiene colores oscuros que dan un sentido misterioso.  En el cuadro, hay un hombre ciego y pobre en la calle tocando una guitarra acústica.  El hombre viejo y frágil tiene solamente una prenda rasgada y sucia.  La guitarra es café, a diferencia de los colores azules y oscuros del hombre y de la calle. El hombre viejo, frágil y ciego parece estar inmerso en las tristes melodías con que llena su entorno en la calle.  La pintura inicialmente hace sentir tristeza y luego sorpresa por la expresión del rostro del guitarrista al oír la melodía que interpreta.

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Las dos hermanas. 1902  Museo Estatal del Ermitage.

Se trata de dos mujeres, una de ellas con un bebé en brazos al que solo le podemos ver la mano y parte de la cabeza. Las dos hermanas muestran abatimiento y desesperación, pero intentan darse consuelo la una a la otra. El paisaje: dos figuras femeninas cubiertas con una túnica y un pañuelo en la cabeza, para protegerse del frio, pero con pies descalzos en una fría noche en lo que parece ser un patio de paredes desnudas. Gracias a esta descripción gráfica, podemos afirmar que son dos reclusas de la prisión femenina de St. Lazare (París), a la que Picasso tuvo acceso en 1901 y donde quedó impresionado por tal desconsuelo.


Infantiles

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Niño con paloma, 1901 colección particular.

El "Niño con Paloma", una de las pinturas más famosas del pintor español, Pablo Picasso, que pertenecía a una colección británica, ha sido vendido a la familia real de Qatar por la suma de $76 millones de dólares. Muestra a un infante sujetando un pichón con ternura.

Personajes circenses

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Arlequín pensativo, 1902, Metropolitan Museum, Nueva York

   Esta pintura está realizada en óleo sobre lienzo. Existe un predominio de los tonos azulados, grisáceos y negros en los ropajes del personaje y en el fondo. Utiliza tonos anaranjados, rojizos y verdes para las flores de la parte superior, rojizos para los labios y las manos, tonos blancos para algunos detalles del ropaje, para la mesa y el rostro del personaje. El codo apoyado en la mesa y el rostro del arlequín en actitud de reflexión.





























MUJER DESNUDA CON LAS PIERNAS CRUZADAS, 1903 DE PABLO PICASSO (1881-1973, FRANCE)

   Esta mujer refleja en su rostro una mirada ausente que parece transportarla a otro lugar, es un reflejo del decaimiento en que pudiera encontrarse.

  Está reflejando una actitud postural en la que parece encogerse en sí misma colocando sus brazos entre las piernas, e inclinando su cuello hacia delante con un cabello que parece colgarle de un modo un tanto desaliñado. El aspecto físico es bastante descuidado y el tono de su cara es pálido, no refleja una buena salud. Muestra un cierto sentimiento de abandono, no ya sólo físico sino también emocional. Su tristeza se hace evidente y se ve reforzada por los colores fríos que utiliza el autor para conseguir una mayor expresividad. Las medias azules de sus piernas contrastan con un cuerpo de piel muy clara, casi blanquecina, dando una sensación de mayor profundidad al lienzo.

  Sus piernas están cruzadas, flexionadas y en una posición de la que parece desprenderse desinterés por el entorno que la rodea, la comunicación es mínima como se refleja en su boca y labios.

   Este cuadro de Picasso, como otros muchos de su extensa obra pictórica, resalta los aspectos eróticos, mostrando las partes más íntimas. Se aprecia como el autor ha retocado los brazos de la mujer, que en un principio se encontraban abiertos hacia el exterior y apoyados en el suelo, para colocarlos flexionados y recogidos en su cuerpo. La posición fetal refleja una protección frente a lo que le rodea, esa caída del cabello se ve acompañada por los miembros de su cuerpo dándole eses aspecto cansado, laxo, decaído. Se muestra un sentimiento en el que parece estar harta de la vida y el placer a partir de su cuerpo. En su aspecto muestra un bajo estado de ánimo; se encuentra preocupada, triste y fatigada, síntomas que muy bien podrían mostrar un síndrome ansioso-depresivo.

(Petrus Rypff)


100 obras de Pablo Picasso



Pablo Picasso y el Periodo Azul



Pablo Picasso y el Periodo Azul Notas Luis Santamaria



PABLO PICASSO - Periodo Azul (2ª Part) - Música: Erik Satie


Pablo Picasso - Periodo Rosa

Periodo Rosa (finales de 1904 a 1906)

   El periodo rosa comienza en el momento en que Pablo Picasso utiliza en sus pinturas tonos alegres de color rosa y naranja en contraste con los tonos frescos y sombríos de la anterior época azul. Esta época se ​​extendió desde finales de 1904 a 1906, tiempo en el que Picasso fue feliz en su relación con Fernande Olivier a quien había conocido en 1904, siendo ella una de las principales razones por las que cambió el estilo de su pintura. Arlequines, circo, artistas y payasos aparecen con mayor frecuencia en este periodo.

   El arlequín, personaje cómico generalmente identificado por la ropa estampada y a cuadros, se convirtió en un símbolo personal de Picasso. La época rosa se define después de un uso intensivo de Picasso de los tonos rosados en sus obras y de las escenas de amistad y admiración por la belleza del cuerpo desnudo. Una de las obras del período de transición - del "azul" al "rosa" es Madre e hijo saltimbanquis (0:01​/0:21) Ambos, con expresión triste, están mirando en direcciones opuestas, lo que contribuye a intensificar el distanciamiento que inevitablemente se traduce por transmitirnos tristeza y desolación, reflejando una temática no muy alejada de la época azul, y "Girl on the Ball" (1905) 1:20​/1:32 que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Moscú.

   Otras de las obras mas representativas de este periodo son Familia de acróbatas con mono (0:57​/1:10), 1905, y La familia de saltimbanquis (3:14​/3:20) cuyas dimensiones alcanzan los dos por dos metros. El poeta austriaco Rainer Maria Rilke, quien vivió durante algún tiempo en la casa de la entonces propietaria del cuadro, expresó su impresión sobre el mismo con estas palabras: "Pero, quiénes son los trashumantes, dime, estas gentes aún más fugitivas que nosotros mismos..."

   En 1906, Picasso consigue vender la mayoría de sus cuadros "rosa" a un mismo comprador, y, por primera vez, puede disfrutar de una posición económica desahogada. Ese mismo año visita a sus padres en Barcelona, acompañado de su amante Fernande. Después, ambos parten a Lérida, donde el artista pinta El aseo (5:09​/5:15) derecha y Autorretrato con paleta (5:57​/6:04), dando fin al Periodo Rosa, que abrirá el camino hacia ciclo por el que Picasso ha sido mundialmente reconocido y a uno de los periodos más importantes de la Historia del Arte.

   Su pintura "Garçon à la pipe" (Chico con pipa) 5:33​/5:41, de este periodo rosa del pintor, se adjundicó en 93 millones de dólares (77,5 millones de euros) en una subasta celebrada en Sotheby's, siendo su precio final incluidas las comisiones y tasas que cobra Sotheby's, de unos 104,168 millones de dólares (85,7 millones de euros).



Documental - El Guernica de Pablo Picasso


Led Zeppelin KNEBWORTH 79' HD Remastered Blu Ray 2018

La banda Led Zeppelin no tiene nada que ver con Picasso pero quería terminar esta entrada con un concierto mítico  de uno de mis grupos favoritos.

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