jueves, 29 de octubre de 2020

La Mente Dormida: CLÁSICOS POPULARES VOL. 1

La Mente Dormida: CLÁSICOS POPULARES VOL. 1:      En 1996 se publicó la primera entrega de CLÁSICOS POPULARES. En marzo de ese mismo año nació Zola y pensé que era una buena oportunidad...

CLÁSICOS POPULARES VOL. 1

 


   En 1996 se publicó la primera entrega de CLÁSICOS POPULARES. En marzo de ese mismo año nació Zola y pensé que era una buena oportunidad para empezar mi primera colección de música clásica. Hasta entonces me había hecho con muchos discos sueltos  pero no debía dejar pasar la oportunidad de hacerme con lo más selecto de la música clásica. Ya la selección del primer volumen me pareció fantástica y sonaba de lujo bajo la batuta del maestro Asensio. Conservo la colección como oro en paño y se oyen, en formato CD de audio, magníficamente, a pesar de los años transcurridos. Mis inicios en la audición de la música "culta" datan de mi primer año de instituto, en el aula de música de la asignatura. La sala estaba bien acondicionada en cuanto a la acústica y, aunque el tocadiscos no era de demasiada calidad, los vinilos se oían bastante bien, con sus maravillosos saltitos de la aguja, que tenían ese encanto especial, que sólo los nostálgicos (en cuanto a las vivencias estudiantiles se refiere, casi exclusivamente, por supuesto) recordamos. 

   Años después las grabaciones en CD's sonaban mejor, pero, nunca fue lo mismo. Recuerdo que la profesora de música, aunque era bastante "carca", supo inculcarnos el amor a la buena música, hablo de los clásicos Beethoven, J.S. Bach, Vivaldi, Wagner, G.A. Mozart, los rusos R. Korsakov, Tchaikovski, e I. Stravinski, F.Chopin y un largo etcétera.

(Petrus Rypff)

   

   Voy a recordar ahora los fragmentos de magníficas obras de distintos compositores, recogidos en ese primer volumen. He añadido información adicional de las composiciones, así como audios  y videos de esas obras maestras.

1   Richard Wagner - Final de "El Ocaso de Los Dioses"  3:58

El ocaso de los dioses (título original en alemán,  Götterdämmerung ) es una ópera en tres actos y un prólogo con música y libreto en alemán de Richard Wagner, la cuarta y última de las óperas que componen el ciclo de El anillo del nibelungo (Der Ring des Nibelungen).

«¡Haz el juramento, Hagen, oh, gran hijo mío!»

Portada del Cantar de los nibelungos.

   Fue estrenada en el marco del primer Festival de Bayreuth el 17 de agosto de 1876, como parte de la primera producción completa del ciclo y forma parte del Canon de Bayreuth. En España se estrenó el 16 de noviembre de 1901 en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no está entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 59 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 16.ª en Alemania y la octava de Wagner, con 75 representaciones.

   El título, Götterdämmerung, es una traducción al alemán de la expresión en nórdico antiguo ragnarökkr, 'ocaso de los dioses', como a veces se lee en la Edda prosaica. En la más antigua Edda poética solo se menciona el ragnarök, 'destino de los dioses'. Se ha propuesto que ragnarökkr fue o bien una confusión por parte de Snorri Sturluson o, más probablemente, una licencia poética como un juego entre las palabras rök, 'destino, fatalidad', y rökkr, 'oscuridad, ocaso'. Ragnarök, en la mitología nórdica, se refiere a una guerra profetizada de los dioses que trae consigo el fin del mundo. Sin embargo, como ocurre con el resto del Anillo, el relato de Wagner de este apocalipsis difiere ampliamente de sus antiguas fuentes nórdicas.

Descripción

DescripciónEl ocaso de los dioses es una ópera en tres actos y un prólogo con música y libreto en alemán de Richard Wagner, la cuarta y última de las óperas que componen el ciclo de El anillo del nibelungo.

Wagner - El ocaso de los dioses - Música clásica

WAGNER, EL OCASO DE LOS DIOSES

Parsifal overture


2   Franz Schubert - "Fantasía Para Piano A Cuatro Manos" en Fa  Menor, Op.103 D-940   5:22

Fantasía de Franz Schubert



Franz Schubert en 1827 (retrato del pintor Anton Depauly de 1828)

   Franz Peter Schubert (Viena, 31 de enero de 1797- Viena, 19 de noviembre de 1828) fue un compositor austriaco de los principios del Romanticismo musical pero, a la vez, también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. A pesar de su corta vida, Schubert dejó un gran legado, que incluye más de 600 obras vocales seculares (principalmente lieder), siete sinfonías completas, música sacra, óperas, música incidental y gran cantidad de obras para piano y música de cámara. Sus obras principales incluyen el Quinteto La trucha, la Sinfonía inacabada, la Sinfonía Grande, las tres últimas sonatas para piano , la ópera Fierrabras,  la música incidental de la obra de teatro Rosamunda  y los ciclos de canciones La bella molinera  y Viaje de invierno.

Schubert - Quinteto "la trucha"

    La Fantasía en Fa menor de Franz Schubert, D.940, para piano a cuatro manos es, para más de un pianista, una de las composiciones  más importantes de Schubert, así como una de las más importantes de toda su obra. Schubert la compuso en 1828, el año de su muerte.  Tonalidades: Fa sostenido menor, Fa menor.

   El musicólogo Christopher Gibbs ha descrito la obra como "no sólo su mejor obra sino su más original composición para dúo de piano"Schubert empezó a componer la Fantasía en enero de 1828 en Vienna. Terminó la obra en marzo de ese año, y su primera interpretación pública tuvo lugar en mayo. Un amigo suyo, Eduard von Bauernfeld, escribió en su diario el 9 de mayo que un memorable dueto fue interpretado por Schubert y Franz Lachner. Dedicó la obra a Karoline Esterházy, un amor no correspondido.

   Schubert murió en noviembre de 1828. Tras su muerte, sus amigos y familiares impulsaron la publicación de ciertas obras suyas. Esta Fantasía fue una de esas obras, y en marzo de 1829 fue editada por Anton Diabelli. El manuscrito original se conserva en la Biblioteca Nacional de Austria.


The Best of Schubert


3  Wolfgang Amadeus Mozart - "Ave Verum Corpus" K-618    2:57

Ave Verum Corpus (Mozart) - King's College, Cambridge

Mozart Ave Verum Corpus por Leonard Bernstein

   Ave verum corpus es un breve himno eucarístico que data del siglo XIV y se atribuye al papa Inocencio VI; diferentes compositores le han puesto música: los más conocidos son Mozart y Gounod. Se solía cantar en la misa, durante la consagración, más precisamente en el momento de la elevación de la hostia. El título del himno significa Salve, verdadero cuerpo, aludiendo a la creencia católica en la transubstanciación. Se trata de una meditación acerca de la presencia real de Jesucristo en la eucaristía y el poder redentor del sufrimiento.

Salve, Verdadero Cuerpo, nacido

de la Virgen María,

verdaderamente atormentado, sacrificado

en la cruz por la humanidad,

de cuyo costado perforado

fluyó agua y sangre;

Sé para nosotros un anticipo

en el trance de la muerte.

   El manuscrito más antiguo de este poema procede de la abadía de Reichenau, Alemania.

Retrato póstumo de Mozart, obra de Barbara Krafft, 1819.

Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor, pianista, director de orquesta y profesor del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria), maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

   La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

   En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan sólo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.


Réquiem Mozart FULL [Subtítulos en latín y español]


Requiem de Mozart subtitulado


4  Georg Friedrich Händel - "As When Dove Laments Her Love" de "Acis y Galatea"      8:29

Handel: Acis and Galatea / Act 1 - As when the dove laments her love

Mito de Galatea, Polifemo y Acis


   Galatea, hija de Nereo, era una bella ninfa marina que heredó la belleza de su madre Gea siendo representada siempre como una joven virtuosa y de tez blanca. Vivía en el mar y siempre fue objeto de deseo del cíclope gigante Polifemo. Este cíclope era feo, enorme y bruto, la antítesis de Galatea. Era el hijo de la ninfa Toosa y del dios del mar y los océanos, Poseidón.

   Por más que éste la desease, Galatea sólo tenía su corazón para el bello mancebo Acis, hijo de otra ninfa y el dios Pan.

   Un día, tanto Acis como Galatea descansaban y disfrutaban a orillas del mar, mirándose, hablando y sonriéndose de manera cómplice, pero fueron descubiertos por Polifemo y desde ese entonces, todos los días los vigilaba a escondidas, al ser esta la única forma de poder estar un poco cerca de su amada. En una de estas escapadas, Acis intentó hacer algo a Galatea que no gustó nada a Polifemo, quien salió de su escondite asustándolos a todos, especialmente al joven, a quien acabó matando lanzándole una pesada roca sobre él mientras éste huía despavorido del gigante de un solo ojo.

   Esto no gustó nada a Galatea, quien se marchó corriendo hacia su amado que yacía en el suelo sin vida. Ella intentó reanimarlo por todos los medios, pero no pudo hacer absolutamente nada por no estar ya en el mundo de los vivos. Galatea sólo tenía ganas de llorar y llorar por la pérdida de su amado, así que pidió a los dioses un consuelo, quienes hicieron que la sangre que salía del cuerpo de Acis y las lágrimas de Galatea formaran un río muy profundo y grande, para que pudieran estar eternamente juntos, mezclados el uno con el otro.

Otras versiones del mito

   Existen varias versiones de este mito, las cuales han ido apareciendo a lo largo de la historia y que han variado en muchas ocasiones. En una de ellas, Galatea se dedicó a satisfacer y a adorar a Polifemo en lugar de a Acis.

   En otra, Galatea decidió aceptar el amor de Polifemo y llegó a tener tres hijos con él: Gálata, Celto e Ilirio, de quienes se dice que son los epónimos de los gálatas, celtas e ilirios.


Georg Friedrich Händel​  (Halle, Brandeburgo-Prusia; 23 de febrero de 1685 - Londres; 14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las figuras cumbre de la historia de la música, especialmente la barroca, y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.​ En la historia de la música, es el primer compositor moderno​ en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público,​ en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

   Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell,​ marcó toda una era en la música inglesa.​ Para varios expertos es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana​ y para algunos hasta en el oratorio, por delante de Johann Sebastian Bach.

   Su legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios (entre ellos El Mesías) y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.


HÄNDEL - El mesías (Selección)

https://www.youtube.com/watch?v=joVkx20oVIg

The Best of Händel

Händel - Sinfonia from the Oratorio "Esther" HWV 50a


5   Salvador Bacarisse - Romanza del "Concertino para Guitarra y Orquesta"  4:56

Salvador Bacarisse (1898-1963) - Romanza del concertino para guitarra y orquesta

Bacarisse Concertino para guitarra y orquesta - Yepes/O.Alonso-ORTVE

Salvador Bacarisse Chinoria (Madrid, 12 de septiembre de 1898 - París, 5 de agosto de 1963) fue un músico y compositor español.


   Nace el 12 de septiembre de 1898 en el barrio Centro de Madrid, hijo del comerciante francés Sauveur Bacarisse Irigoin y de la zaragozana Paulina Chinoria y Calvo. Su situación económica le permite realizar estudios superiores. Tras el bachillerato se matricula a petición de su padre en la Universidad Complutense de Madrid para estudiar Derecho y Filosofía y Letras​. Al mismo tiempo estudia en el Conservatorio Superior de Madrid piano con Manuel Fernández Alberdi y armonía y composición con Conrado del Campo. En 1916, Bacarisse se licencia en la Universidad y se gradúa en el Conservatorio. Bacarisse fue miembro del Grupo de los Ocho (fundado siguiendo el modelo del grupo francés de Les Six para combatir el conservadurismo musical). En 1923 ganó el I Concurso Nacional de Música con su poema sinfónico La nave de Ulises para coro femenino. Ayudó a promover la música contemporánea como director artístico de la Unión Radio (1926-1936). También formó parte de la Junta de Música y Teatros Líricos (1931) y desde este mismo año fue crítico musical en la prensa madrileña.

   Durante la Guerra Civil española se trasladó siguiendo al gobierno republicano a Valencia y Barcelona y en esta última ciudad fue delegado del gobierno en asuntos musicales, organizando algunos conciertos y temporadas de ópera. Fue afiliado al Partido Comunista de España, formando parte de la Alianza de Intelectuales Antifascistas junto con otros miembros de la cultura republicana de izquierdas, comprometidos con ese bando bien de forma intelectual, con escritos, manifiestos y revistas, tomando muchos de ellos carácter de propaganda; bien de forma real, combatiendo en el frente. En 1939 se exilió en París, rechazando la dictadura de Franco, y desde 1945 hasta su muerte trabajó para la Radiodiffusion-Télévision Française como productor de programas en español para Hispanoamérica. En 1956 ingresó en la Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques y un año después en la Société pour l’Administration du Droit de Reproduction Mécanique des Auteurs, Compositeurs et Éditeurs.​

6  Johannes Brahms - Mov. 1º de "Un Requiem alemán" Op. 45  12:53

Brahms ~ Ein Deutsches Requiem, Op. 45 (I/VII) ~ Herbert von Karajan

Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833-Viena, 3 de abril de 1897) fue un compositor, pianista y director de orquesta alemán del romanticismo, considerado el más clásico de los compositores de dicho periodo. Nacido en Hamburgo en una familia luterana, pasó gran parte de su vida profesional en Viena.

   Se mantuvo fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador, influenciado por Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Joseph Haydn y, particularmente, por Ludwig van Beethoven. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la Guerra de los románticos. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los integrantes de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana y por Richard Wagner. Sus escritores contemporáneos y posteriores lo han considerado como tradicionalista e innovador. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos. Si bien muchos contemporáneos encontraron su música demasiado académica, su contribución y artesanía han sido admiradas por figuras posteriores tan diversas como Arnold Schönberg y Edward Elgar. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores. Sin embargo, incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos.

   Brahms compuso para orquesta sinfónica, conjuntos de cámara, piano, órgano y voz y coro. Fue un pianista virtuoso y estrenó muchas de sus propias obras. Trabajó con algunos de los principales artistas de su tiempo, incluida la pianista Clara Schumann y el violinista Joseph Joachim (los tres eran amigos cercanos). Muchas de sus obras se han convertido en elementos básicos del repertorio de conciertos moderno. Era un perfeccionista intransigente y destruyó algunas de sus obras y dejó otras inéditas.

   Las expresiones «Las tres bes», acuñada por Hans von Bülow, y «La santa trinidad» se refieren a Bach, Beethoven y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música.​



Brahms: Ein Deutsches Requiem (1948) Furtwängler/Stockholm

Brahms: Ein Deutsches Requiem - Un Réquiem Alemán - López Cobos  


7  Johann Sebastian Bach - Aria Nº 75 "Mache Dich Mein Herze Rein" de "La Pasión Según San Mateo" BWV 224   3:58

Bach - Matthäus Passion - "Mache, dich, mein Herze, rein"

              Bach: Matthäus-Passion, Aria "Mache dich, mein Herze, rein" Fischer-Dieskau

Pasión según San Mateo

   La Pasión según San Mateo, BWV 244 es una pasión oratórica escrita para voces solistas, doble coro y doble orquesta por Johann Sebastian Bach.​​Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo. Con una duración de más de dos horas y media, es la obra más extensa del compositor. 

https://www.youtube.com/watch?v=8Qu_Xe6hX3A

BWV244 / PASION SEGUN SAN MATEO (Subtítulos en Español)

8   Ludwig van Beethoven - Coro de mujeres de "El rey esteban" Op. 117   2:29


Nieve Granada 28-feb-13 Coro mujeres "El Rey Esteban" Beethoven.


Beethoven - Coriolan, Overture, Op 62 - Abbado

9  Wolfgang Amadeus Mozart - Duettino "Che Soave Zeffiretto" de "Las Bodas de Figaro"   3:31

Duettino Sull'aria Le nozze di Figaro

Las Bodas de Figaro Ópera completa, subtitulada en español


10   Jean-Philippe Rameau - Danza de "La Gran Pipa de la Paz" y "Bosques Apacibles" de "Los Salvajes de las Indias Galantes"  4:10



Rameau - Las indias galantes - Danza de la pipa de la paz (Christie, 2005)


Jean-Philippe Rameau fue el compositor, clavecinista y teórico musical francés más influyente de la época barroca. Su obra lírica marcó un antes y un después en el mundo de la ópera, así como su irreemplazable producción instrumental y sus tratados musicales. 
  

   La vida de Rameau, en general, es poco conocida, especialmente su primera mitad, los cuarenta años que precedieron a su instalación de forma definitiva en París, hacia 1722. Era un hombre reservado, e incluso su propia mujer no conocía muchos aspectos de esos años, de ahí la escasez de elementos biográficos de los que se dispone. Sin embargo, lo que sí conocemos bien es su música, que se caracteriza por el oficio excepcional de este compositor que quiere ser, ante todo, un teórico de su arte. Además, ya desde su época, se le considera un renovador que puso en práctica procedimientos antes inexistentes, pero que se concretan en formas caducas.

   Rameau pareció revolucionario a los lullystas, derrotados por la armonía compleja que desplegaba, y reaccionario a los filósofos, que no juzgaban sino su continente y no pudieron, o no quisieron, escucharle. La incomprensión que sufrió por parte de sus contemporáneos le impidió reemprender algunas licencias, como el segundo “Trio des Parques” de Hippolyte et Aricie, que tuvo que retirar después de las primeras representaciones, ya que los cantantes no conseguían interpretarlo correctamente. Así, el más grande armonista de su época es ignorado incluso entonces, cuando la armonía, el aspecto “vertical” de la música, toma definitivamente ventaja sobre el contrapunto, que representa su aspecto “horizontal”.

   No se pueden comparar los destinos de Rameau y de Bach, los dos gigantes de la ciencia musical del siglo XVIII, más que como aislados de todos sus colegas, cuando todo lo demás los separa. A este respecto, el año 1722, que vio aparecer simultáneamente el Traité de l’Harmonie y el primer ciclo del Das wohltemperierte Klavier –El clave bien temperado-, es muy simbólico. Los músicos franceses de finales del siglo XIX no se equivocaron, en plena hegemonía musical germánica, cuando vieron en Rameau al único músico francés de fuerza comparable a Bach, lo que permitió el redescubrimiento progresivo de su obra.


11   Johannes Brahms - Danza Húngara Nº4   5:06 



Johannes Brahms - Danza Húngara No.4 [versión orquestal]


"Danzas Húngaras Nº 6,7 y 5" de J.Brahms


Notas: Grabado en el Teatro Monumental de Madrid los días: 29.03.96 (Corte 1), 4.06.96 (Corte 5), 16 y 17.07.96 (Cortes 3, 6, 8 y 10), 11.10.96 (Corte 11)  y 11.11.96 (Corte 2).Y en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid el 11.03.73 (Corte 4).


La Mente Dormida: MASCARILLAS DE QUITA Y PON. Y CADA LOCO CON SU TEMA.

La Mente Dormida: MASCARILLAS DE QUITA Y PON. Y CADA LOCO CON SU TEMA.:   Mascarilla en el suelo de los Campos Elíseos, en París.    Está claro que nunca llueve a gusto de todos y, puestos a opinar, todo el mundo...

MASCARILLAS DE QUITA Y PON. Y CADA LOCO CON SU TEMA.

 


Mascarilla en el suelo de los Campos Elíseos, en París.


  Está claro que nunca llueve a gusto de todos y, puestos a opinar, todo el mundo lo hace como si fuera experto en COVID-19, en gestión sanitaria de la pandemia y lo que no lo es, hay quien se atreve a hacer un juicio paralelo contra el ministro de Sanidad y hasta con el bueno de Fernando Simón, que para mí es un gran epidemiólogo aunque un comunicador mejorable.

  El debate de la moción de censura ha resultado esclarecedor, cada uno interpreta los resultados a su manera,  como siempre, y el cruce de acusaciones ha sido terrible aunque con unas formas, para un servidor, más comedido de lo que esperaba.

  VOX se ha quedado aislado en sus afanes de llevar a cabo su "justicia divina". Se sienten defraudados e incluso traicionados por lo que ellos llamaban la "derechita cobarde". Casado les ha salido rana y les ha pegado una bofetada que ninguno de ellos esperaba. Ahora les dicen que van a cambiar la gaviota por una gallina. La legión sigue con la cabra de siempre como símbolo de tan sagrada y valiente institución, admirada por Santiaguín, el marcapaquetes, del antidemocrático partido que según dicen ellos, es el único que puede salvar a España de la hecatombe que están provocando los socio-comunistas, con la anuencia del traidor, como decía, Partido Azul, comandado por un hombre casado que sigue, al dictado, las órdenes que por el pinganillo le transmite el ahora no bigotudo que desde su FAES del alma intenta seguir adoctrinando.

   Dicen que hasta Arrimadas se está dejando convencer por el lenguaje embaucador de los social-comunistas. Me sorprendió muy gratamente el discurso de uno de los líderes del partido naranja, moderado, con una oratoria brillante y atinada, creo que se llama Edmundo. Ana Oramas, la de C.Canaria estuvo genial, como siempre, creo que es el cerebro mejor amueblado del hemiciclo. El niño Errejón también estuvo a la altura, espero que llegue lejos con su más país, sé que aboga por una tercera España que se olvide de rencores del pasado guerracivilescos, como también propuso el maestro Amenábar en su magistral película Mientras dure la guerra. Como disfruté viéndola, especialmente al final, cuando Unamuno pronunció su alegato contra los salvapatrias sublevados comandados por el gran caudillo, la rata rastrera que, qué casualidad, falleció en noviembre del año del gato del horóscopo vietnamita. 

   Ante tanto despropósito el bichito sigue su avance imparable que nos está llevando a medidas propias de un estado de guerra: Toque de queda, confinamiento, estado de alarma y la biblia en pasta. ¡Qué hartazón de mascarilla!, ¡por dios!, dios de Espinoza, al otro no lo reconozco. Creo que el 2020, al que todavía le quedan dos meses largos, pasará a la historia negra de España y del mundo, como el menos amable de los últimos 16 lustros,  o los 45 años de "democracia" transcurridos desde que se produjo el cambio en la jefatura del estado (de oca a oca y tiro porque me toca)

   Como todo siga igual, con tanto político inepto, vamos a poder decir, con dolor: "Entre todos la mataron...y ella sola se murió". Estoy convencido de que la sangre no llegará al río...

   Las redes sociales y los grupos de whatsapp tienen de todo, desde comentarios de nostálgicos de épocas ya superadas, que se apropian de símbolos como la enseña nacional, el himno, etc. hasta comentarios igual de desafortunados, para un servidor, de la agrupación podemita, que resultan anacrónicos y fastidiosos hasta el extremo.

  Afortunadamente hay gente que, en tono jocoso, escribe cosas divertidas y ocurrentes, que sirven para desengrasar y entretener al personal, harto de tanta estupidez y visión partidista y nada constructiva.

(Petrus Rypff)


Trata la mascarilla como tratas tus bragas:

- Ponte una limpia cada día.

- Haz que se ajuste pero sin que te apriete.

- No la intercambies con los demás.

- No te la pongas del revés.

- Asegúrate de tapar lo que hay que tapar.

- Evita toquetearla sin necesidad.

- Y sobre todo, si te la tienes que quitar, que no sea en lugares concurridos.


Carta a la gente que va por la calle sin mascarilla

Sois un referente de rebeldía y de sentido común para los que, como yo, vivimos esclavizados por las recomendaciones de los matasanos. ¡Envidio vuestra valentía y vuestra personalidad!

JUAN SOTO IVARS

   Queridos amigos, queridas amigas, no sabéis cuánto os agradezco que hayáis decidido salir una vez más, en esta hermosa mañana de mayo, a la calle sin mascarilla. Sois la imagen viviente de la libertad y el criterio personal, y además sois todos guapísimos. Mi trayecto hasta el supermercado sería mucho más sombrío sin la posibilidad de contemplar vuestros bellísimos rostros, vuestras bocas y narices respingonas, vuestros bigotes orgullosos.

   Sois un referente de rebeldía y de sentido común para los que, como yo, vivimos esclavizados por las recomendaciones de los matasanos. Sois los adalides de la civilización occidental, los resplandores de la calma y el sosiego, los líderes del "todo va a salir bien". ¡Envidio vuestra valentía y vuestra personalidad!

  Aunque existen varios tipos de mascarillas protectoras, no todas son recomendables para la población, pues las de alta protección, por ejemplo, deberían reservarse para el personal sanitario

   Te me acercas, señora, en la sección de congelados del Caprabo, y te pegas bien adonde estoy yo porque quieres agarrar tus productos básicos (helado de Toblerone) no vaya a ser que algún maldito comunista te los arrebate. Cuando me aparto discretamente, me echas una mirada llena de desprecio, como a un apestado. Y veo en tu bellísima boca de piñón un fruncido anal que me informa, en un instante, de la idea que tienes de la gente con mascarilla.

   Te cruzas conmigo, señor, en el paseo de Sant Joan. Vas caminando del brazo con tu mujer, que también se ha rebelado contra las mascarillas, y quizás alguien te ha mirado raro, algún esclavo mirando a su señor. ¡Culpa suya! Te oigo comentar a tu pareja lo aborregado que está todo el mundo. Y no sabes, señor, cuánta razón tienes. Quizá nuestra debilidad es tener una pareja asmática —de raza inferior— o incluso haber cedido al miedo mediático de que esta epidemia repunte y siga llevándose abuelos por delante. ¡Quizás! Débiles mentales, en cualquier caso. 

   Lo cierto es que entiendo muy bien vuestras miradas y vuestra arrogancia. Son los gestos propios de los dioses, de los inmortales, de quienes viven sin el lastre de la culpa o el miedo. ¡Arcadi Espada se arrodillaría ante vosotros! ¡Y Willy Toledo! ¡Y Albert Camus os pediría fuego y, tras reconoceros, un autógrafo!

Nada me gustaría más que caminar, como vosotros, con alas en las sandalias y ajeno al devenir deprimente y decadente de este mundo que no os comprende. Nada me gustaría tanto como vivir liberado de la tiranía de los periódicos y las gráficas de epidemia. Sin embargo, no soy más que un mediocre mortal. Quisiera seguir vuestro ejemplo y arrancarme la odiosa mordaza para restregársela por la cara al primer neumólogo que me cruzase, y decirle cuatro cosas bien claritas a esos expertos sabelotodo.

   ¿Cómo explicar que tanta gente la lleve? Sin duda, porque todo el mundo es borrego, menos vosotros. Pero no me atrevo. Como el buey bajo el yugo, destaco solamente por mi capacidad de sumisión. Llevar esta máscara alienadora es incómodo y antiestético. Si tienes gafas, te las empaña. Con el calorcito, te deja marcas. Y se respira regular. ¿Cómo explicar que tanta gente la lleve? Sin duda, porque todo el mundo es borrego, menos vosotros.

   Os escribo esta carta para que no malinterpretéis las miradas lacónicas que quizá se me escapan, a veces, cuando nos cruzamos. No son miradas de desprecio, ni de recelo, sino de envidia y admiración. Las ratas admiramos a los gatos.

   Vuestra mera presencia ya es un regalo. ¿Cómo vivir sin contemplar vuestras orondas mejillas, vuestros dientes inmaculados, vuestros ocurrentes lunares? El mundo sería más gris.

   En fin, amigos, amigas. Si yo me atreviera a dar este salto a la libertad, caminaría por la calle como vosotros. Con la cabeza bien alta. Y la punta de mi napia sería resplandeciente como la antorcha de la Estatua de la Libertad.


Serrat- Cada loco con su tema


martes, 27 de octubre de 2020

La Mente Dormida: LA ÓPERA. NACIMIENTO Y ANTECEDENTES

La Mente Dormida: LA ÓPERA. NACIMIENTO Y ANTECEDENTES:   «Músicos», Anton Domenico Gabbiani La ópera nace del que seguramente sea el primer programa de investigación histórico-cultural sistemátic...

LA ÓPERA. NACIMIENTO Y ANTECEDENTES

 


«Músicos», Anton Domenico Gabbiani

La ópera nace del que seguramente sea el primer programa de investigación histórico-cultural sistemático de la burguesía: la «Camerata fiorentina». La «camerata», aunque estaba bajo el auspicio de nobles que participaban de los trabajos, como tiempo después estará la «Royal Society», es ante todo el primer «laboratorio» artístico que se piensa como tal. Su objetivo: investigar el teatro clásico griego y producir un arte total -música, danza y teatro unidos en un único género escénico- que refleje el ímpetu universalista de la burguesía comercial renacentista frente al arte decadente de la aristocracia. Pero como buenos burgueses, toda investigación debe ser aplicada, generar producto. Resultado: «Dafne» (1598), la primera ópera.

 

LA ÓPERA. NACIMIENTO Y ANTECEDENTES

     Como figura del Renacimiento, la ópera tuvo su cuna en Italia a finales del siglo XVI. Una vez entrado el XVII se difundió por las principales ciudades del país. Después fue exportada a otros países y en ellos encontró valiosos imitadores.

   A mediados del siglo XVI se había formado en Italia el “drama pastoral”, figurando entre sus libretistas el poeta TASSO, autor de la famosa “Aminta”, que se estrenó en Florencia el año 1590. En este mismo año inició los primeros ensayos melodramáticos el gentilhombre romano EMILIO DE CAVALIERI, organizador de festejos musicales en la Congregación del Oratorio, donde estrenaría en 1600 el oratorio “Rappresentazioni di Anima e di Corpo”, impreso a la sazón.

   Fue otro precursor HORACI VECHI. Establecido en Módena, había hecho representar en 1594 “Antiparnaso o Espejo de la vida humana”, calificándolo como “comedia armónica”, y al publicarlo tres años después se jactó de haber sido el primer autor musical de poemas dramáticos.

 

La escuela florentina

   El hogar de GIOVANNI BARDI, conde Vernio, reunió en Florencia a un grupo de humanistas. Interesada esa “camerata” florentina por la Música antigua, pretendió resucitar la melodía griega para que sustituyese a la polifonía imperante. Su actuación fue muy eficaz hasta 1592, año en que dicho prócer pasó a Roma como maestro de cámara de Clemente VIII. EMILIO DE CAVALIERI estrenó entre tanto en Florencia dos pastorales, en 1590, causando gran asombro. Y VICENTE GALILEI (padre del gran astrónomo) se reunió en el hogar de BARDI con poetas y músicos, poniendo particular empeño en afirmar el flamante estilo melódico –“estilo representativo” según sus propias palabras- y en ofrecer una nueva forma de espectáculo, que prepararía la creación de la ópera. Aquel Galilei puso en música un fragmento de la “Divina Comedia” y unas lamentaciones de Jeremías, cautivando al auditorio por tanta novedad.

   En 1594 el compositor de la “camareta” florentina, JACOBO PERI, estreno una especie de ópera bajo el título “Dafne”. Y en 1600, para festejar la nupcias de María de Médicis con Enrique IV, se estrenó la ópera “Euridici”, con música del mismo, y se imprimió esta obra entonces, llevando un prólogo donde se expone que la correspondiente música imitaba la manera de cantar de los antiguos griegos. Así quedó creada la ópera, y se afirmó un estilo que también daba novedad a la mencionada “Rappresentazioni”, estrenada en Roma por Cavalieri ese mismo año.


Ópera DAFNE


Euridice. Jacopo Peri (1561 - 1633)

  Aquel espectáculo costosísimo, rumboso y aristocrático, basaba la música exclusivamente en la declamación, resultaba muy árido y monótono. Pero pronto, por obra de MONTEVERDI, adquirirá acentos melódicos, con inclinaciones al arioso. 

Claudio Monteverdi

   CLAUDIO MONTEVERDI (1567-1643) estuvo al servicio del duque de Mantua desde 1590, y en 1667 estrenó en esa ciudad su ópera “Orfeo”, a la cual siguieron “Ariadna” en 1608, y después otras muchas hasta “La coronación de Popea”, estrenada un año antes de su muerte. También publicó libros de “Madrigales” y de “Canciones”. Su producción religiosa sigue unas veces el estilo palestriniano y otras veces cultiva el estilo concertante. Reservada primero a la corte su producción teatral, se destina más tarde al público, cuando aquel artista se establece en Venecia. Aquí se alza, en 1637, el primer teatro de ópera con localidades de pago. Ahora hay que suprimir los coros y reducir las suntuosas orquestas de los palacios, para que resulte menos gravoso a los organizadores.


Claudio Monteverdi - L`Orfeo


Anna Caterina Antonacci - "Lasciatemi morire", Lamento d'Arianna (Amsterdam, 2007)

   Entre tanto se establece una división más neta entre el “recitativo” y el aria, en beneficio de la belleza musical.

La ópera en Roma

   Pronto se cultivó la ópera en Roma, pues en 1606 AGAZZARI estrena un “Eumelio” en estilo pastoral. Esporádicamente se cantan algunas óperas, y en 1634 introduce la ópera con vidas y obras de santos el compositor STEFFANO LANDI”, con libreto de JULIO ROSPIGLIOSO, futuro nuncio de Su Santidad en Madrid y más tarde Papa, con el nombre de Clemente IX. Esa representación se efectuó, bajo los auspicios del cardenal Barberini, en el palacio de estos próceres, que había sido construido por uno de ellos, el futuro pontífice Urbano VIII. En el mismo local se estrenó cinco años más tarde la primera comedia musical, con letra de ROSPIGLIOSO y música de VIRGILIO MAZZOCCHI y MARCOS MARAZZOLI. El compositor MIGUEL ÁNGEL ROSSI, protegido por los Barberini, inició el “aria a da capo” (dividida en tres partes), innovación que tendrá esplendoroso porvenir.


AGOSTINO AGAZZARI (1578-1640) - Stabat Mater

La ópera en Venecia

   Por ser la ópera un gustadísimo espectáculo público, los venecianos vieron alzarse hata una docena larga de coliseos. Allí desplegó MONTEVERDI una concentrada actividad durante varios lustros. Tras él continúan la trayectoria dos maestros notables, a saber:

   FRANCISCO CAVALLI (1618-1669) fue organista y después maestro de capilla de la catedral veneciana de San Marcos. Estrenó su primera ópera en 1639. Mazarino le encargó otra más para su representación en París. Esa producción de 1939 fue la primera que se denominó “ópera escénica”, más tarde se suprimiría el adjetivo “escénica” y se denominarían “óperas” simplemente aquellas producciones teatrales. A CAVALLI se le denominó el “Tintoretto de la Música”.

   ANTONIO CESTI (1623-1669) era un aretino que viajó mucho antes de instalarse en Venecia, donde estrenó numerosas óperas y reunió en una síntesis todos los elementos del arte lírico y dramático diseminados por su país. Su ópera de gran espectáculo, “Il pomo d’oro”, se presentó en Viena, en 1667, para festejar las nupcias de Leopoldo I con la infanta Margarita de España.

Antonio Cesti: "Il pomo d'oro"


Antonio Cesti. Orontea. Veni Alidoro - Raquel Andueza


Pietro Antonio Cesti: Orontea (Concerto Vocale)

   Otro ilustre representante de la ópera veneciana fue el bergamesco JUAN LEGRENZI (1626-1690), autor asimismo de música religiosa.

   No tarda Módena en cultivar la ópera, siendo también dos sus principales representantes. ALEJANDRO STRADELL (1645-1681), supuesto autor del aria religiosa “Pietá, Signore”, había nacido en Nápoles, llevó una vida aventurera y murió asesinado. Dejó notables óperas. También las dejó JUAN BONONCINI (1670-?), cuya pasajera fama en Londres esfumó temporalmente la gloria de Haendel.

   Abandona la ópera seria los asuntos mitológicos por los históricos, multiplica los episodios y persigue más vivamente los efectismos teatrales. Por influencia del barroquismo aumenta el número de sus actos, se prodigan las mutaciones y se multiplican las escenas. El virtuosismo del canto se impone a costa de la belleza musical.

La ópera en Alemania y Austria

   Al suelo germano acuden compositores e intérpretes de ópera italianos, causando verdadera sensación. CESTI se impuso en Viena; CAVALLI se impuso en Munich, JUAN ANDRÉS BONTEMPI en Dresde y AGUSTÍN STEFFANI en Hannover. A su vez los autores alemanes imitan el estilo y las formas imperante en suelo italiano. El más notable, ENRIQUE SCHÜTZ, compuso la ópera “Dafne”, utilizando el conocido texto de RINUCCINI, para cantarla en 1627 con motivo de unas nupcias principescas.

   Hamburgo vio alzarse una ópera para que se cantasen producciones nacionales con texto alemán. Comenzó a funcionar en 1678; conó con dos prestigiosos compositores: REINHARD J.S. KUSSER y RENHARD KEISER, y se cerró definitivamente en 1738.

   Viena acogió tempranamente la ópera italiana, entre los compositores de más renombre figuró allí, además del mencionado CESTI, el fecundo ANTONIO DRAGHI, que escribió muchísimas óperas para el teatro imperial. El modo vienés fue imitado en algunas ciudades alemanas, entre ellas Munich, donde sobresalió JUAN GASPAR KERLL, que también se distinguió como organista.

La ópera en Francia

   En Francia la ópera fue un producto de importación, a lo que contribuiría no poco el cardenal Mazzarino. Allí es un precursor ROBERTO CAMBERT, que colaboró con el libretista PIERRE PERRINI.

   En 1639 se estrenó en Issy una “Pastoral” en cinco actos. CAMBERT se propuso crear una Academia de Poesía y Música para representar óperas y obtuvo el privilegio real por doce años.

  Poco después, muy astutamente, recaba para sí aquel privilegio JUAN BAUTISTA LULLI. Siendo este ambicioso florentino muy joven, entró al servicio de la corte francesa. Por sus grandes aptitudes para la música y el baile brilló como compositor y danzarín predilecto de la corte, con el cargo de superintendente de la Música. Asociado al libretista QUINAULT produjo numerosas óperas, adaptando el gusto francés las ideas de PERI y CACCINI; concedió relieve a la participación instrumental y creó la “obertura francesa”. Sus obras se mantuvieron en la escena medio siglo muy largo, sin que lograran hacerle sombra las de sus inmediatos sucesores.

La ópera en Inglaterra

   Pronto llego a Inglaterra la ópera continental. En 1656 se abre un teatro para cultivarla, mas, por falta de originalidad, el espíritu de imitación prevalece en esos precursores. Tras ellos brilla una personalidad insigne: ENRIQUE PURCELL, organista compositor de música religiosa, de “masques” y de comedias con música, entre ellas las tituladas “Don Juan” y “El fraile español”. En su vastísimo caudal resalta una producción, escrita entre 1688 1 1690, bajo el título “Dido y Eneas”; ella mereció ser calificada como ópera. No la estrenó en un teatro público, sino en un colegio femenino de Londres, y esa producción realza el mérito de la música inglesa.


Retrato de Henry Purcell por John Closterman. Galería Nacional del Retrato, Londres.

Purcell murió el 21 de noviembre de 1695 a la edad de 36 años, en la cumbre de su fama. Poco después, su esposa recopiló varias de sus obras, las cuales se publicaron en dos famosos volúmenes: Orpheus Britannicus I (1698) y II (1702).

Fue enterrado en la abadía de Westminster, debajo del clavicémbalo que tanto tiempo tocó. Su epitafio dice: «Aquí yace el honorable Henry Purcell, quien dejó esta vida y ha ido a ese único lugar bendito donde su armonía puede ser superada».

Información personal

Nombre en inglés: Henry Purcell 

Nacimiento: 10 de septiembre de 1659 en Westminster (Mancomunidad de Inglaterra) 

Fallecimiento: 21 de noviembre de 1695  (36 años) en Westminster (Reino de Inglaterra) 

Causa de la muerte: Tuberculosis 

Sepultura: Abadía de Westminster

Educado en Westminster School. Alumno de John Blow 

Información profesional

Ocupación: Compositor, organista, musicólogo, teórico de la música, músico y autor. Años activo desde 1679

Movimiento: Barroco - Géneros: Ópera, himno y oda - Instrumento: Órgano y clavecín 

Obras notables: Dido y EneasRey ArturoLa reina de las hadas 


                                                   Dido & Aeneas - the complete opera

La ópera en España

   Cuando aún no llevaba treinta años de vida la ópera italiana, se estrenó en Madrid, como espectáculo cortesano, la primera ópera española, con letra de LOPE DE VEGA, que se imprimió a la sazón, y con música, hoy perdida, de un autor desconocido. Se titulaba “La selva sin amor”, y se oyó en 1629. Era una “égloga” que, según el propio LOPE, “se representó cantada a sus Majestades y Altezas, cosa nueva en España”, añadiendo el vate: “Lo menos que hubo en ella fueron mis versos”.

   Transcurridos bastantes años es nuncio de la Santa Sede ante la corte española JULIO ROSPIGLIOSO. Se relacionó en Madrid con CALDERÓN DE LA BARCA, a quien haría conocer los primores de la ópera italiana, y Calderón escribe los libretos de dos óperas, estrenadas en el Coliseo del Buen Retiro, bajo el patrocinio real, el año 1660. La primera se titulaba “La púrpura de la rosa”. Según la correspondencia loa, esa novísima producción habría de ser “toda música que intenta introducir este estilo, porque otras naciones vean competidos sus primores”.

La Púrpura de la Rosa - Tomás de Torrejón y Velasco - Syntagma Musicum Usach - 1999

   Su música, hoy perdida, tendría por autor al arpista JUAN HIDALGO, que lo fue también de la ópera “Celos aún del aire matan”, con letra del mismo CALDERÓN, cuyo primer acto, descubierto por SUBIRÁ, se publicó en 1934. La obra se denomina “Fiesta cantada” y no ópera, porque este neologismo italiano tardó mucho en cristalizar. La música de HIDALGO, tanto en sus breves arias como en sus recitados, anota rasgos netamente “hispánicos”, ¡ni falta que me importa!, no sé si lo pillan…