jueves, 25 de junio de 2020

ARTETERAPIA PARA LIBERAR ATADURAS. MARK ROTHKO Y OTROS



23 Formas de relajar tu mente y poner a tu cerebro en su lugar


    La psicóloga y arte-terapeuta Victoria Nazarevich explica cómo el acto de pintar o dibujar permite conectar con nuestro interior, crear nuestra realidad, olvidarnos de las cargas que la mente crea sin exigencias ni imposiciones ni auto-juicios (“debo calmarme”; “tengo que cambiar forma de ser o pensar”; “así no puedo seguir” etc.)
Cuando los pensamientos nos ahogan y disparan en contra de nuestra realidad llenándonos de dudas, miedos, tensiones, preocupaciones, frustraciones, necesidades de control, imposiciones, puede resultar verdaderamente difícil ponerles freno.

    El cerebro es un órgano maravilloso que nunca descansa. Es como el cuartel general de todo nuestro ser: ¿Podemos imaginar todo lo que sucede ahí? A veces son tantas cosas que tenemos por hacer, tantos pensamientos que vienen a nuestra mente a la velocidad de la luz, tantas ideas que no podemos organizar, que parece que nuestro cerebro está a punto de explotar. En situaciones así es necesario poner en orden todo lo que sucede ahí adentro y darle un pequeño respiro.

    Nazarevich recomienda hacer una sola cosa para relajar nuestro cerebro: tomar una hoja de papel, lápiz, colores, y empezar a dibujar. Ella describe el acto de dibujar como una forma de comunicación contigo mismo, una manera de entrar en contacto con tu alma.

   No hay explicación de cómo o por qué, pero cuando tengas una situación extraña de estrés o intranquilidad, comienza a realizar esto y verás cómo poco a poco comenzarás a sentir armonía y tranquilidad.

1. Si te sientes cansado, dibuja flores.
2. Si estás enojado, dibuja líneas.
3. Si te duele algo, esculpe, trabaja con barro o con plastilina.
4. Si te encuentras aburrido, pinta una hoja de papel con diferentes colores.
5. Si te sientes triste, dibuja un arcoíris.
6. Si tienes miedo, teje o elabora algo con tela.
7. Si estás angustiado, haz una muñeca de trapo.
8. Si algo te indigna, rompe un papel en pedazos pequeños.
9. Si necesitas recordar algo, dibuja laberintos.
10. Si te han decepcionado, haz una réplica de alguna pintura.
11. Si necesitas comprender tus sentimientos, dibuja un autorretrato.
12. Si necesitas conectar con tu estado de ánimo, dibuja manchas de colores.
13. Si necesitas ordenar tus pensamientos, dibuja celdas o cuadros.
14. Si quieres entender tus deseos, haz un collage.
15. Si quieres encontrar la mejor solución a una situación, dibuja olas y círculos.
16. Si te sientes estancado y quieres seguir adelante, dibuja espirales.
17. Si quieres estar concentrado en una meta, dibuja cuadrículas y un blanco.
18. Si necesitar sentirte con energía, dibuja paisajes.

   A raíz de esto, Victoria Nazarevich sugiere unos métodos sencillos para liberar la mente y recuperar el equilibrio psico-físico-emocional.


                                 Algunos de los dibujos de 'mandalas' resultado de las sesiones de Sesión de arte-terapia conducidas por Victoria Nazarevich
     Sesión de arte-terapia conducida por Victoria Nazarevich.
                            
Child's hand painting a white dove on a mural. Concepts : learning; art; childhood; peace, painting. Snapshot, selective focus, motion blur.

El aprendizaje del arte con finalidad terapéutica también está indicado para los más pequeños.



                                   https://www.youtube.com/watch?v=JkpU2JU7Rf8

                        Educar no es llenar la mente sino liberarla de ataduras



Olbinski y Gonsalves

   Rafal Olbinski y Rob Gonsalves son dos excelentes pintores que siempre andan en los límites de la realidad y los sueños. 

   Olbinski es polaco, nacido el 21 de febrero de 1943, vive en Estados Unidos. Es considerado uno de los principales representantes de la Escuela Polaca de Carteles. 

                             
Olbinski describe su enfoque de la pintura y la ilustración como "surrealismo poético".


   Olbinski emigró a los Estados Unidos en 1981, donde pronto se estableció como un destacado pintor, ilustrador y diseñador. El trabajo de Olbinski es muy similar al trabajo del famoso surrealista belga René Magritte. 

   Las obras de Rafal Olbinski están incluidas en las colecciones del Museo de Arte Moderno (Colección de carteles), la Fundación Carnegie en Nueva York, el Club Nacional de las Artes en Nueva York, la Institución Smithsonian y la Biblioteca del Congreso en Washington, el Museo Suntory en Osaka, Japón , el Museo del Cartel en Varsovia, Polonia y otros en toda Europa y los Estados Unidos.
   
RafalOlbinski_19RO-cloudface | cecy.investigacion | Flickr
  Cuadro de Rafal Olbinski


Blog: Rafal Olbinski: ópera y surrealismo | Guerra Creativa




A incrível e surreal arte de Rafal Olbinski
Rafal Olbinski


Rafal Olbinski: skysnail


Rafal Olbinski


Robert Gonsalves

                   Pura Kastigá: ROB GONSALVES.- DE LA REALIDAD AL SUEÑO.
               Robert "Rob" Gonsalves - De la realidad al sueño


   Robert "Rob" Gonsalves (25 de junio de 1959 - 14 de junio de 2017) fue un pintor canadiense del realismo mágico (surrealismo). Produjo obras originales, impresiones de edición limitada e ilustraciones para sus propios libros. Fue un experto interpretando el mundo onírico, el realismo mágico y sorprendía a menudo cuando reflejaba sueños, miedos, y sensaciones ancestrales.

   Gonsalves nació en Toronto, Ontario. De niño ya desarrolló un gran interés por el arte. A la edad de trece años, su conciencia de la arquitectura creció a medida que aprendió técnicas de perspectiva y comenzó a crear sus primeras pinturas y representaciones de edificios imaginados. Después de exponerse al trabajo de artistas como Swanwick , Escher , Dalí y Tanguy , Gonsalves comenzó sus primeras pinturas surrealistas. El enfoque del "realismo mágico" de Magritte junto con las ilusiones de perspectiva precisas de Escher llegaron a ser influencias en su trabajo futuro.

   En sus años posteriores a la universidad, Gonsalves trabajó como arquitecto, también pintando murales trompe-l'œil y decorados teatrales. Después de una respuesta entusiasta en 1990 en la Exposición de Arte al Aire Libre de Toronto, Gonsalves se dedicó a pintar a tiempo completo.

   Aunque el trabajo de Gonsalves a menudo se clasifica como surrealista, difiere porque las imágenes se planifican deliberadamente y resultan del pensamiento consciente. Las ideas son generadas en gran medida por el mundo externo e implican actividades humanas reconocibles, utilizando dispositivos ilusionistas cuidadosamente planificados. Gonsalves inyecta un sentido de magia en escenas realistas. Como resultado, el término "Realismo Mágico" describe su trabajo con precisión. Su trabajo es un intento de representar el deseo de los seres humanos de creer en lo imposible, estando abierto a la posibilidad.

     Gonsalves expuso en Art Expo New York y Los Ángeles, Decor Atlanta y Las Vegas, Fine Art Forum, así como exposiciones individuales en Huckleberry Fine Art y otros muchos lugares importantes en el mundo del arte.

   En junio de 2003, Simon & Schuster presentó en Norteamérica y Canadá  Imagine a Night, el primer libro de tapa dura de Gonsalves con dieciséis pinturas. Debido al éxito de Imagine a Night, Simon & Schuster lanzó un segundo libro, Imagine A Day, en 2004 por el cual ganó el Premio del Gobernador General 2005 en la categoría de Literatura Infantil - Ilustración.

   Gonsalves se suicidó el 14 de junio de 2017. Su página oficial de Facebook declaró: "Rob Gonsalves luchó en la oscuridad, pero sucumbió el 14 de junio". Le sobrevivieron su esposa y su extensa familia.

   La artista Lise Carruthers organizó un proyecto para preservar su legado en 2018.  En 2019, se instaló un zócalo de granito negro de 4 pulgadas de altura en su tumba en el cementerio de Toronto, Canadá. Cada lado del pedestal presentaba una imagen de porcelana diferente de las pinturas de Gonsalves. Los planes futuros son  una serie de exposiciones de arte con pinturas originales de Gonsalves.



                   Optical Illusions narrativas pintadas por Rob Gonsalves | Colosal
                                            Robert Gonsalves


Pinturas con ilusión óptica por Rob Gonsalves

   Las pinturas del artista canadiense Robert Gonsalves ofrecen varias realidades. cuentan múltiples historias, como una ilusión óptica que cambia cada vez que se observa. Gonsalves se interesó en este arte desde muy pequeño, y experimentó con la técnica de la perspectiva y el arte arquitectónico del siglo XX. Cuando se encontró con Salvador Dalí y René Magritte, éstos dejaron en sus pinturas un impacto increíble y duradero.

                                        Optical Illusions narrativas pintadas por Rob Gonsalves | Colosal
                          
144332411200612839_rob_gonsalves_22                                                    
                           Rob Gonsalves (born in 1959) is a Canadian painter of magic realism with a unique perspective and style.



                          océano

Vladimir Kush

                                        Vladimir Kush: realismo metafórico
   Vladimir Kush (1965) es un pintor y escultor surrealista nacido en Rusia. Estudió en el Instituto de Arte Surikov de Moscú, y después de varios años trabajando como artista en su ciudad natal, emigró a los Estados Unidos. Él prefiere referirse a su arte como realismo metafórico.

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                              Vladimir Kush en su estudio en 2014

  Estableció su propia galería en la isla de Maui en Hawai. Sus óleos también se venden como impresiones giclée que han contribuido a su popularidad y dieron lugar a la creación de nuevas galerías en Laguna Beach, California y Las Vegas, Nevada . En 2011 Kush ganó el Primer Premio de Pintura en la Artistes du Monde exposición internacional de Cannes.

                     Vladimir Kush: realismo metafórico
                                                                                Vladimir Kush

                                       
                                                                                Vladimir Kush

                     Vladimir Kush Presents His New Artwork 'Captain Drake's Pipe ...

                                        Key of Passion #art #painting #gallery... - Vladimir Kush Artist ...

                                        Vladimir Kush Voyager Painting | Best Voyager Paintings For Sale

                    Vladimir Kush & Pink Floyd's The Division Bell: High Hopes



Mark Rothko

   Hace unos años acudí a un symposium psiquiátrico en Madrid. Hacía pocos meses que mi colega J.M. Soria se había graduado en Bellas Artes. Nos desmarcamos del grupo y me propuso visitar el Museo Tyssen, fue una tarde magnífica.

   Había visitado en otras ocasiones el museo madrileño, pero nunca había disfrutado tanto de la colección permanente de obras pictóricas que allí hay. Me encantó la sala dedicada a los impresionistas, mis preferidos de siempre, especialmente un cuadro puntillista de Pissarro, pero, si algo me impresionó fue la colección de pintura expresionista, había varios cuadros de autores rusos, entre ellos dos de Rothko. Las explicaciones de mi colega me permitieron disfrutar de matices imperceptibles para un profano como yo.

  De pequeño me dijo un profesor de plástica que "el arte no se explica", quizás haya algo de razón en ese tópico, pero, los atinados comentarios de mi colega me hicieron ver más allá de lo aparente.

  Posteriormente al buscar documentación sobre el pintor letón, su complicada biografía y su trágico final, terminé de comprender lo que quería transmitir en sus obras. 

(Petrus  Rypff)

                      Rothko, un ícono de EE.UU. que vende obras por u$s 100 millones ...


       Marcus Rothkowitz (Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903-Nueva York, Estados Unidos, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko (en letón, Marks Rotko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto.

    Mark Rothko nació en el seno de una familia judía de Daugavpils, Letonia. Era el último de cuatro hermanos y el único que recibió una educación religiosa en un Jéder, donde estudió el Talmud. Sus hermanos mayores fueron educados en escuelas públicas, bajo una doctrina laica. 
    Durante el período de la Rusia zarista, Daugavpils, su ciudad natal, estuvo libre de violencia, a pesar de que en el ambiente general los judíos eran culpados por los males que habían caído sobre Rusia. Su niñez estuvo plagada de miedo, debido a que pudo haber presenciado algún acto de violencia ocasional llevado a cabo por los cosacos hacia los judíos que intentaban hacer levantamientos revolucionarios. De este periodo existe una memoria que fue manifestada en varias ocasiones por Rothko, en la que expresa:

Los Cosacos se llevaron a los judíos del pueblo hacia los bosques y les hicieron cavar una fosa común [...] Imaginé esa tumba cuadrada tan claramente que no estaba seguro si realmente la masacre ocurrió durante mi existencia. Siempre estuve atormentado por la imagen de esa tumba, que, de alguna manera profunda, estaba encerrada en mi obra pictórica”. ​

   Algunos críticos han interpretado el uso tardío de las formas rectangulares en la obra de Rothko como una representación de estas tumbas. Sin embargo, sus recuerdos han sido cuestionados debido a que ninguna ejecución masiva se cometió durante ese periodo en Daugavpils o en los alrededores. ​

​    En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. En Nueva York realizó la primera exposición individual de sus trabajos artísticos en la Contemporary Arts Gallery, del 21 de noviembre al 9 de diciembre de 1933, donde presentó quince pinturas al óleo, en su mayoría retratos, con algunas acuarelas y dibujos.  Sin embargo, fueron los óleos los que captaron la atención de los críticos de arte por la riqueza del color y su dominio artístico, sobrepasando la influencia ejercida por Avery. A finales de 1935, se unió a un grupo de artistas conformado por Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg, Louis Schanker y Joseph Solmon. El conjunto de artistas recibió el nombre de Los diez disidentes de Whitney (en inglés, The Ten o Whitney Ten Dissenters), y su misión, según el catálogo de 1937 de la galería Mercury Gallery, era protestar contra la presunta equivalencia entre la pintura estadounidense y la pintura literal.

                    Mark Rothko Archivos - El faro de Hopper
                      “Lo bello de la vida” “Verde sobre morado, 1961” Mark Rothko


   En torno a 1940 realizaba una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas biomórficas. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Con el paso de los años, la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras.


                     
     Siglo XX: Rothko, Tú solo siente. Quarta estación en nuestro viaje por “Fuego Blanco” en el Museo Reina Sofía, ante un Rothko apaga tu mente y permítete ser sólo intuición.


   Mark Rothko, fue junto a Pollock el máximo representante de la abstracción americana. Con su pintura quiso conseguir una ambiciosa utopía: expresar las más básicas emociones universales. Y para muchos lo consiguió.

              Berkin Arts Mark Rothko Giclee Lienzo Impresión Pintura póster ...

   Cultivó antes de la Segunda Gran Guerra la figuración expresionista y se empapó del espíritu de las vanguardias que veía en las exposiciones organizadas por el MoMA.

   Tras la guerra empezó a investigar el color field painting (pintura de campos de color) abandonando poco a poco toda referencia figurativa y en los 50, con el expresionismo abstracto ya establecido, inició la personal abstracción que definiría desde entonces su pintura.

   Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la Capilla Rothko de la familia De Menil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros rodean un espacio octogonal dedicado a la meditación.


                   
                                                Capilla Mark Rothko en HoustonTexas


   Los cuadros de Mark Rothko, enormes, muestran amplios campos de color rectangulares con unos límites indefinidos entre ellos. Son colores borrosos, que flotan suspendidos en el lienzo, estimulando unas sensaciones místicas bastante interesantes.

                Un cuadro de Mark Rothko, vendido por 44,9 millones de dólares ...

   A partir de ahí, Mark Rothko se convertiría en una institución del arte americano. Protegido de Peggy Guggenheim, sus éxitos serán notables. Pero a finales de los 60, en medio de una crisis depresiva, y tras pintar su serie de obras con acrílico negro, se acabaría suicidando. En 1970 un episodio depresivo, posiblemente relacionado con la ingesta de antidepresivos, y su gran adicción al alcohol llevaron a Rothko al suicidio. Ciertas fuentes aseguran que el suicidio del pintor es un paralelismo con el final de su obra, de tonos más oscuros.


                        Mark Rothko, el pintor que no creaba obras sino lugares. - LOFF.IT
                Mark Rothko, el pintor que no creaba obras sino lugares

RESUMEN  

   Marcus Rothkowitz sobrellevó una vida llena de dolorosos conflictos internos. Nacido en el seno de una familia judía muy religiosa, desde su infancia en la Rusia zarista hasta su suicidio en 1970, pasó por la dura experiencia de la emigración, las penurias económicas a la muerte temprana de su padre, los frustrados estudios en la elitista universidad de Yale, la necesidad de cambiar su nombre de Markus Rothkowitz a Mark Rothko por temor al antisemitismo, su caótica formación artística, los muchos trabajos que tuvo que aceptar para sobrevivir. El reconocimiento le llegó muy tarde, y cuando lo hubo alcanzado, sus constantes depresiones y su alcoholismo le causaban tanto daño que le impedían pintar. Una vida y una personalidad tan complejas restarían en el origen de su permanente búsqueda de lo básico.

   En 1958, la Corporación Seagram le ofreció uno de los contratos más sugerentes y fastuosos de la historia del arte moderno, la creación de una serie de murales para el lujoso restaurante Four Seasons de Nueva York. Durante los dos años siguientes, Rothko trabajó día y noche sobre este proyecto en su estudio de Bowery Street. Al terminar, miró los murales y exclamó He creado un lugar. Por eso los lienzos de Rothko no son obras sino lugares, lugares de contemplación, de reflexión, de intercambio entre el artista y el espectador, de revelación interior. De ahí su obsesión neurótica por controlar la colocación de los cuadros en la pared, la luz, el formato, la distancia a la que debía situarse el observador. Sólo así los cuadros facilitarían al espectador la posibilidad de quedar atrapado en un espacio físico, una dimensión trascendental donde todo lo que sus lienzos tuvieran que decir fuera captado en una experiencia mística.

   Por ese motivo Rothko sentía una cercanía espiritual con el arte primitivo y arcaico. Por eso renuncia a las formas, porque le parecen un estorbo que le impide expresar lo más sagrado a través de emociones en estado puro. Desaparecidas las figuras, la luminosidad, la oscuridad, el espacio amplio, el contraste de los colores buscaban la transmisión directa de un sentimiento cercano a lo religioso. Aunque su obra recorrió distintas etapas que van de lo figurativo al surrealismo, la más emblemática, por la que el creador norteamericano ha pasado a ser considerado como uno de los grandes pintores del siglo XX, es la última, la etapa clásica, identificada como la pintura de campos de color, franjas de color de forma rectangular, en formatos verticales de gran tamaño. Desde los murales Seagram, su trabajo se fue oscureciendo lentamente. Del rojo intenso fue pasando a los ocres y negros. "Sólo hay una cosa a la que temo en la vida: un día el negro se tragará al rojo". Con esta metáfora cromática Rothko se preparaba para cumplir su trágico destino.

Frases célebres de Mark Rothko

“Y si he de depositar mi confianza en algún sitio, la otorgaría a la psique del observador sensible y libre de las convenciones del entendimiento”.

“En este mundo de imaginación, la fantasía es libre y se opone violentamente el sentido común”.

“Para nosotros el arte es una aventura en un mundo desconocido, que puede ser explorado sólo por quienes están dispuestos a asumir el riesgo”.

“Expresar las emociones humanas más elementales. La tragedia, el éxtasis, la fatalidad del destino...”

“Un cuadro vive por compañerismo y se expande y aviva a los ojos del observador sensible”.

“Queremos reafirmar la imagen plana. Estamos a favor de las formas planas porque destruyen la ilusión y revelan la verdad”.

“Pinto imágenes muy grandes porque quiero crear un estado de gran intimidad”.

“No hay nada como una buena pintura acerca de nada”.

“El artista debe disponer de mucho tiempo, tiempo libre, para no hacer nada, simplemente sentarse y dejar que las ideas sobrevengan”.

“La gente que llora ante mis cuadros vive la misma experiencia religiosa que yo sentí al pintarlos. Y si usted, tal como ha dicho, sólo se siente atraído por sus relaciones de color, entonces se le escapa lo decisivo”.

“Quizás haya notado que en mis cuadros existen dos características: o bien se trata de superficies expansivas que se dilatan hacia el exterior en todas direcciones, o bien de superficies que se contraen y retraen hacia el interior en todas direcciones”.

                   https://www.youtube.com/watch?v=qNxpVb1ZRqQ

                  MARK ROTHKO: Oscura Lucidez



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